Choreografie in 3D visualisieren: Draufsicht & Publikum

Im Bühnenbild ist der Bühnengrundriss (ground plan) eine maßstäbliche Zeichnung von oben, eine Vogelperspektive, die Lage und Maße aller Bühnenelemente ebenso festhält wie Auftritte, Abgänge und Laufwege der Auftretenden. Für die Raumplanung ist das die ideale Sicht: Wer steht wo, wer geht wohin, und auf welchem Weg.

Der Aufriss (elevation) dagegen ist eine maßstäbliche Zeichnung der Bühne vom Publikum aus, also die Frontalansicht. Eine „rear elevation“ zeigt die Rückseite der Dekorationsteile, eine Ansicht von der Seite heißt „section“. Aufrisse tragen ihren Namen, weil sie gegenüber dem Grundriss aufgerichtet sind.

Beide ergänzen sich: Der Grundriss plant den Raum, der Aufriss zeigt, was beim Publikum ankommt. Tanzaufführungen profitieren besonders vom Aufriss, weil er die Bewegung des ganzen Körpers sichtbar macht — und damit räumliche Muster, die in der Draufsicht allein gar nicht auftauchen.

Sichtachsen beschreiben, was das Publikum von seinem Platz aus ohne Hindernis und ohne Verrenkung von einer Aufführung sieht. Man unterscheidet waagerechte Sichtachsen — den Blick auf die Bühne und auf die Zonen links und rechts, gestört etwa von den Köpfen der Vorderleute — und senkrechte Sichtachsen, die an ansteigende oder erhöhte Sitzreihen gebunden sind und von Vorhängen oder zu tief gehängten Scheinwerfern verstellt werden.

Die gewählte Bühnenform wirkt sich direkt auf diese Sichtachsen aus. Eine Rundbühne („round staging“) wird zum Problem, wenn die Tänzerinnen und Tänzer überwiegend in eine einzige Richtung schauen: Das halbe Publikum blickt dann auf ihre Rücken. Der Entwurf muss sich deshalb daran ausrichten, wie das Publikum die Aufführung sehen wird — nicht allein an der inneren Logik der Bewegung.

Bei einer Gruppenaufführung gehören die Sichtachsen buchstäblich zur Choreografie: Gute Sichtachsen sorgen dafür, dass wirklich jeder im Saal die Darbietung sieht. Praktikabel und Podeste („risers“) heben die Auftretenden an, verbessern die Sichtbarkeit und erzeugen ein lebendiges Bild — bei szenischen Chören ist das die gängigste Lösung. Die genauen Höhen und Winkel bleiben allerdings eine Frage des Kontexts: Für belastbare Maße hältst du dich besser an die Technische Leitung oder an die örtlichen Vorschriften für Versammlungsstätten.

Damit man ohne Missverständnisse über den Raum sprechen kann, kennt das Theater feste Himmelsrichtungen für die Bühne. Vorne ist die Kante zum Publikum hin — dorthin geht man nach vorne an die Rampe —, hinten liegt der Bühnenhintergrund, in den man zurückgeht. „Bühne links“ und „Bühne rechts“ sind aus Sicht der Person auf der Bühne benannt, die ins Publikum blickt; vom Zuschauerraum aus gesehen kehrt sich das genau um. Genau dafür gibt es diese Begriffe: Links und rechts kippen zwischen Bühnensicht und Saalsicht, deshalb sagst du besser jedes Mal dazu, welche Perspektive gemeint ist. Die Bühnenfläche schließlich ist der Bereich, auf dem gespielt wird — im Gegensatz zum Zuschauerraum, in dem das Publikum sitzt.

Nicht jeder Platz bietet denselben Eindruck. Der ideale Blickpunkt im Zuschauerraum — historisch das „Auge des Fürsten“ — ist der Winkel, aus dem die Perspektive des Bühnenbilds unverzerrt aufgeht; vom Saal zur Bühne hin gesehen ist es zugleich der Platz, von dem aus man die Aufführung am besten sieht. Die Vorstellung stammt von der Guckkastenbühne, gedacht als Illusionskasten auf der Grundlage von Perspektive und Trompe-l’œil — eine Szenografie, die einen bevorzugten frontalen Blickpunkt voraussetzt. Das erklärt, warum die Frontalansicht die Komposition historisch geprägt hat.

Zwei Bedeutungen von „Perspektive“ solltest du dabei nicht vermischen: auf der einen Seite die optische, illusionistische Perspektive der Guckkastenbühne, auf der anderen die schlichte Frontalansicht beziehungsweise Publikumsansicht der Choreografie-Werkzeuge. Theoretisch sieht ohnehin jeder Zuschauer eine andere Aufführung: In der ersten Reihe erlebst du nicht dasselbe Stück wie im dritten Rang. Patrice Pavis erinnert daran, indem er Marie-José Mondzain zitiert: „Gemeinsam sehen heißt nicht, eine Sicht zu teilen, denn niemand wird je sehen, was der andere sieht.“ Genau deshalb lohnt es sich ganz praktisch, mehrere Blickpunkte durchzuspielen statt nur einen.

Wer eine Choreografie vorab durchspielt, erkennt Probleme früh. Mit einer Software für Formationen prüfst du, ob die Formationen sauber lesbar sind, statt die Schwächen mitten in der Probe zu entdecken. Sie ersetzt flüchtige Whiteboard-Skizzen und Chatverläufe voller Abstandskorrekturen durch eine einzige visuelle Quelle — und geplant wird, solange das Konzept noch beweglich ist, bevor du die Zeit deiner Tänzerinnen und Tänzer bindest.

Praktisch kombinieren solche Werkzeuge eine Draufsicht mit einer 3D-Ansicht, um das „stage picture“ — das Gesamtbild, das die Gruppe in einem bestimmten Moment ergibt — aus mehreren Winkeln zu prüfen. Du kannst die Choreografie auf die Counts der Musik legen, Auftritte, Abgänge und Bildwechsel per Blocking festlegen, also durch das Bestimmen von Positionen und Wegen, und die Abstände schon vor der Probe analysieren. Eine Formation meint hier die koordinierte räumliche Anordnung von Tänzerinnen und Tänzern, die sich gemeinsam auf vorab festgelegten Laufwegen bewegen, mit bestimmten Positionen und Ausrichtungen.

Die akademische Forschung geht in dieselbe Richtung: Der Ansatz ChoreoVis schlägt eine Visualisierung von oben vor, mit Nachverfolgung der Laufwege, einer Auswertung der Flächennutzung und einem Vergleich zwischen geplanter Choreografie und tatsächlicher Bewegung — um Abstände, Ausrichtung und die Flüssigkeit der Übergänge zu prüfen. Stancz folgt derselben Logik: ein Web-Werkzeug zum Platzieren und Visualisieren von Formationen in 2D, in 3D und in der Publikumsansicht, mit dem du den Grundriss gegen das hältst, was der Saal am Ende wirklich sieht.