Colocación de bailarines en el escenario: método y referencias

Antes de situar a nadie, hay que saber nombrar el espacio. Las indicaciones laterales se dan desde el punto de vista del intérprete de cara al público: lo que llamamos derecha del escenario (o derecha del actor) queda a su derecha, y la izquierda del escenario, a su izquierda. Visto desde la sala ocurre justo al contrario, y ahí nacen la mayoría de los malentendidos. La tradición teatral francesa nombra esos mismos lados con dos palabras propias, «côté cour» y «côté jardin»: desde la sala, cour es el lado derecho y jardin el izquierdo; y usa la regla nemotécnica «J-C», como Jesucristo, con la J (Jardin) a la izquierda y la C (Cour) a la derecha, leyendo desde las butacas.

Esos términos tienen un origen histórico preciso. Proceden de la disposición de la Salle des Machines, en el palacio de las Tullerías de París, en el siglo XVII. Desde el palco central del rey, un lado daba al patio del palacio (côté cour) y el otro al jardín de las Tullerías (côté jardin). Después la convención se extendió a todos los teatros de habla francesa, incluso allí donde ya no existe ningún patio ni ningún jardín reales.

Quedan las otras dos referencias, las de la profundidad. El proscenio es la parte del escenario más próxima al espectador, el frente del área de juego; el fondo es lo contrario, la zona más alejada del público, marcada por la pared o el telón de fondo. Proscenio, fondo y los dos laterales forman así los cuatro puntos de referencia del escenario, que puedes imaginar como un conjunto de espacios contiguos, una especie de cuadrícula. Conviene añadir un apunte: los bastidores son las zonas laterales fuera de escena, ocultas al público por cortinas o bastidores rígidos, y sirven para las entradas y las salidas.

En danza, el espacio escénico se ocupa en tres dimensiones: la profundidad (del proscenio al fondo), el ancho (de un lateral al otro) y los niveles (bajo, medio, alto). La tarea del coreógrafo consiste precisamente en inscribir en ellas las figuras y los desplazamientos de los bailarines. Pensar en tres ejes en lugar de en plano evita la trampa del «todo el mundo alineado en el mismo sitio» y abre posibilidades de lectura mucho más ricas.

El vocabulario anglosajón se solapa en parte con estas referencias y viene bien conocerlo. Upstage designa el fondo del escenario, lo más lejos del público; downstage, el frente, lo más cerca; stage left y stage right son la izquierda y la derecha desde el punto de vista del intérprete de cara al público (de modo que el lado de la sala, house left, se corresponde con stage right). El origen de up/down está en los antiguos escenarios inclinados («raked»), donde el fondo quedaba físicamente más alto: acercarse al público era bajar, y alejarse, subir. Ahora bien, cuidado: proscenio/fondo y downstage/upstage describen el mismo eje delante-detrás, pero son equivalencias de uso y no traducciones estrictamente intercambiables, porque el origen de las palabras es distinto.

A partir de estos ejes, el escenario suele dividirse en nueve zonas, cruzando las direcciones delante/detrás (downstage, center, upstage) con las laterales (left, center, right): downstage left, downstage center y downstage right; luego center left, center y center right; y por último upstage left, upstage center y upstage right. El centro (center stage) se considera el área de juego más potente y el punto focal natural del escenario. Esta cuadrícula de 3×3 es un reparto práctico muy extendido, procedente sobre todo de materiales didácticos de teatro, más que una norma universal: algunas referencias se quedan solo con unos pocos puntos principales.

Las formaciones básicas de un coreógrafo incluyen las líneas horizontales, las líneas diagonales, los triángulos, los círculos y los «clumps» (grupos o racimos). No todas producen el mismo efecto: las diagonales desplazadas hacia el fondo se perciben como más dinámicas y más fluidas que las líneas rectas, y aportan más profundidad y más capas al escenario. La tendencia contemporánea va en esa dirección: alejarse de las simples líneas rectas en favor de formaciones más variadas y más «equitativas», que dejan ver a un mayor número de bailarines.

La lectura depende directamente de las líneas de visión. Escalonar las filas (stagger) permite que a los bailarines del fondo se los distinga por los huecos que dejan los de delante. Una buena colocación también luce a los bailarines fuertes en distintos puntos del escenario, y no solo en la primera fila. Dónde se sitúa cada persona, además, no depende únicamente del nivel técnico: la estatura, la capacidad de memorizar y la presencia escénica cuentan. Quien ocupa el downstage center necesita buena memoria, seguridad para llevar la voz cantante y un gran sentido del espectáculo; quien ocupa el upstage center suele ser el más alto, porque así sigue viéndose desde el fondo.

La colocación colectiva también se trabaja con procedimientos de composición. El unísono, en el que todos los bailarines hacen lo mismo a la vez, da fuerza y sirve de ancla. El canon retoma una misma frase gestual a través de otros bailarines a intervalos regulares, para lograr un efecto de eco o de resonancia. El desfase juega con un intervalo irregular o aleatorio, y la cascada encadena una sucesión de entradas o de acciones. Estas herramientas estructuran la ocupación del espacio tanto como el propio movimiento.

Una referencia sencilla para la separación: cada bailarín tiene que caber dentro de su propio «hula-hoop» imaginario, sin que los aros lleguen a tocarse. Hueco suficiente para no amontonarse, pero sin perder la cohesión del conjunto. Para trasladar las referencias del aula al escenario, se recomienda marcar las posiciones en el suelo con señales o cinta adhesiva, tanto en el ensayo como sobre las tablas. Y llevar a la coreografía únicamente las colocaciones y las separaciones que ya se dominan en el ensayo.

Con bailarines muy pequeños (menos de 7 años), conviene limitar la coreografía a dos o tres formaciones como máximo y evitar las diagonales, que exigen más conciencia del espacio y más coordinación. Es un caso en el que la sencillez de la colocación contribuye directamente al éxito del espectáculo. Para visualizar y probar esas formaciones por adelantado, herramientas como Stancz permiten colocar a los bailarines y previsualizar una formación en 2D, en 3D y desde la vista del público.

Cuando la colocación implica acrobacias entre varias personas, como en cheerleading, los roles se reparten con claridad. Las bases se encargan del sostén y de la estabilidad: elevan y equilibran a la flyer. La flyer (top) es la persona que va arriba y ejecuta saltos, giros y figuras aéreas. El spotter, por su parte, responde de la seguridad y está listo para asistir y recoger. Sus reglas de colocación son estrictas: debe ser un miembro del equipo formado en técnicas de asistencia, se sitúa sobre la superficie de competición, al lado o detrás de la figura, puede tocar la base de la figura, no sostiene nada que le impida asistir, no coloca el torso debajo de la figura y no actúa como soporte principal de la top; si hay caída, protege ante todo la cabeza, la nuca, la espalda y los hombros. Estos principios coinciden entre las fuentes, pero las exigencias concretas varían según la federación y el nivel de competición: para instrucciones oficiales, consulta el reglamento de la federación correspondiente.