Visualizar una coreografía: 2D, 3D y vista del público

En diseño escénico, la planta (ground plan) es un dibujo a escala visto desde arriba, una vista de pájaro que detalla la ubicación y las dimensiones de todos los elementos escénicos, además de las entradas, las salidas y las trayectorias de los intérpretes. Es la vista ideal para planificar el espacio: quién está dónde, quién se desplaza hacia dónde y siguiendo qué trayectoria.

La elevación (elevation), en cambio, es un dibujo a escala del escenario visto desde el público, es decir, la vista frontal. Una “rear elevation” muestra la parte trasera de los elementos de decorado, mientras que una vista lateral se llama “section”. Estas vistas se llaman elevaciones porque están levantadas respecto a la planta.

Las dos se complementan: la planta sirve para planificar el espacio y la elevación muestra lo que ve el público. Los espectáculos de danza se benefician especialmente de la elevación, porque revela el movimiento del cuerpo entero y los patrones espaciales que la sola vista desde arriba no deja aparecer.

Las líneas de visión (sightlines) designan lo que el público puede ver de una función desde su butaca, sin obstrucción ni esfuerzo. Se distinguen las líneas de visión horizontales —la vista del escenario y de las zonas izquierda y derecha, estorbada por ejemplo por las cabezas de otros espectadores— y las líneas de visión verticales, ligadas a las butacas en grada o elevadas, y estorbadas por telones o focos colgados demasiado bajos.

La elección de la forma del escenario tiene un impacto directo en esas líneas de visión. Un escenario circular (round staging) plantea un problema si los intérpretes miran mayoritariamente en una sola dirección: la mitad del público se queda entonces frente a sus espaldas. El diseño debe centrarse, por lo tanto, en la manera en que el público verá el espectáculo, y no solo en la lógica interna del movimiento.

En un espectáculo de grupo, las líneas de visión están literalmente integradas en la coreografía: unas buenas líneas de visión garantizan que cada espectador pueda ver la actuación. Las tarimas o gradas (risers) elevan a los intérpretes para mejorar la visibilidad y crear un efecto visual dinámico: es el enfoque más habitual para los coros escénicos. Las alturas y los ángulos exactos siguen dependiendo del contexto: para cotas precisas, conviene remitirse a un regidor o a la normativa local de recintos de pública concurrencia.

Para hablar del espacio sin ambigüedad, el teatro dispone de una brújula fija del escenario. El proscenio es el borde del escenario más cercano al público (se baja hacia el público) y el fondo es su parte trasera (se sube hacia el fondo). La izquierda del escenario y la derecha del escenario se nombran desde el punto de vista del bailarín de cara al público, así que son la imagen especular de la izquierda y la derecha de la sala. Estos términos existen precisamente porque la izquierda y la derecha se invierten entre la vista desde el escenario y la vista desde la sala: nombrar el marco de referencia cada vez evita errores. El escenario, por último, es el espacio donde se mueven los intérpretes, por oposición a la sala, donde está sentado el público.

No todas las butacas ofrecen la misma percepción. El punto de vista ideal, históricamente llamado “ojo del príncipe”, es el ángulo desde el cual la perspectiva del decorado se lee sin deformación; mirando desde la sala hacia el escenario, es también el lugar desde el que mejor se ve el espectáculo. Esta noción viene del escenario a la italiana, concebido como una caja de ilusión basada en la perspectiva y el trampantojo: una escenografía que supone un punto de vista frontal privilegiado, lo que explica por qué la vista frontal estructura históricamente la composición.

Cuidado con no confundir dos sentidos de la palabra perspectiva: por un lado, la perspectiva óptica e ilusionista del escenario a la italiana; por otro, la simple vista frontal, o vista del público, de las herramientas de coreografía. En el plano teórico, cada espectador ve en realidad un espectáculo distinto: no se vive la misma función en la primera fila que en el tercer anfiteatro. Como recuerda Patrice Pavis citando a Marie-José Mondzain, “ver juntos no es compartir una visión, porque nunca nadie verá lo que ve el otro”. De ahí el interés concreto de probar varios puntos de vista en lugar de uno solo.

Previsualizar una coreografía permite detectar pronto los problemas. Un software de formaciones deja comprobar si las formaciones se leen con claridad, en lugar de descubrir los fallos en plena sesión de ensayo. Sustituye los bocetos efímeros de pizarra y los hilos de mensajes llenos de correcciones de espaciado por una única fuente visual, y la planificación se hace mientras el concepto todavía es flexible, antes de movilizar el tiempo de los bailarines.

En concreto, estas herramientas combinan una vista desde arriba (top view) y una vista 3D para previsualizar el “stage picture” —la imagen de conjunto que forman los intérpretes en un momento dado— desde varios ángulos. Puedes ajustar la coreografía a los tiempos (counts) de la música, marcar entradas, salidas y cambios de cuadro, y analizar el espaciado antes del ensayo. Una formación se entiende aquí como la disposición espacial coordinada de bailarines que se desplazan juntos siguiendo trayectorias predeterminadas, con posiciones y orientaciones específicas.

La investigación académica va en el mismo sentido: el enfoque ChoreoVis propone una visualización desde arriba con seguimiento de las trayectorias, análisis del uso del suelo y comparación entre la coreografía planificada y los movimientos reales, para comprobar el espaciado, la alineación y la fluidez de las transiciones. Stancz se inscribe en esa lógica, como herramienta web de colocación y visualización de formaciones en 2D, en 3D y en vista del público, para confrontar la planta con lo que la sala verá de verdad.