Coreografía de grupo: cómo organizar los desplazamientos

Los recursos de composición sirven para seleccionar, organizar, ensamblar y estructurar el material bailado: permiten jugar con los contrastes, reforzar la emoción o crear sorpresa en el público. Dan a la pieza una arquitectura identificable y repetible, e implican todos los componentes de la danza: el cuerpo, el tiempo, el espacio, la energía y los demás. Es este último punto —la relación con los demás— el que distingue específicamente la composición de grupo.

El recurso más sencillo es el unísono: todos los bailarines ejecutan el mismo gesto al mismo tiempo. Es uno de los recursos básicos del repertorio y crea una sensación de unidad, armonía e identidad de grupo; usado a propósito, hace que la experiencia colectiva se lea de inmediato y le da impacto a un momento. En el extremo opuesto, el contrapunto consiste en hacer ejecutar simultáneamente al menos dos secuencias gestuales distintas a diferentes bailarines o subgrupos: “hacer juntos, pero diferente” sobre la misma frase musical. Entre ambos, el contraste yuxtapone secuencias opuestas en sus elementos (amplitud, energía, orientación), por ejemplo gestos lentos y sostenidos junto a acciones repentinas y explosivas, creando una ruptura o una disonancia.

Varios recursos juegan con el desfase en el tiempo. El canon retoma la misma secuencia gestual en todos los intérpretes, pero con salidas escalonadas: es el equivalente bailado del canon musical (una misma frase retomada en momentos de salida desfasados). La cascada, o sucesión, hace ejecutar el mismo gesto a los bailarines uno tras otro, produciendo un efecto de ola como la de los estadios; el diccionario Récit ARTS, por cierto, la distingue explícitamente del canon. La alternancia hace que se respondan por turnos los movimientos de un individuo o de un grupo con los de otro, y la pregunta / respuesta lleva esa lógica hacia una forma dialogada, como un juego en el que dos bailarines (o grupos) alternan su frase.

Más allá de los recursos fundamentales, varias herramientas enriquecen la construcción de conjunto. La acumulación toma dos formas: acumulación de movimientos (A, luego AB, luego ABC…) o acumulación de bailarines (adición progresiva de intérpretes). El soltar / recuperar saca temporalmente a algunos bailarines del unísono antes de que vuelvan al grupo: una manera sencilla de crear relieve sin romper la cohesión del conjunto.

El espejo consiste en hacer lo mismo al mismo tiempo en una relación cara a cara, entre dos personas o más: los bailarines realizan su frase uno frente al otro, de forma simultánea y sin desfase. Cuidado con no confundirlo con el espejo del estudio (el cristal frente al que se ensaya): aquí, el “espejo” designa una relación entre bailarines, no un objeto. La repetición de un movimiento o de una secuencia, por su parte, crea énfasis, un efecto hipnótico o una saturación.

El propio gesto puede transformarse. La variación retoma movimientos modificando sus componentes (amplitud, tempo, energía…). El retrógrado ejecuta una frase al revés, invirtiendo el orden de sus acciones. Por último, el motivo (motif and development) es un movimiento o una secuencia corta recurrente que simboliza una idea o un tema central, y que el coreógrafo desarrolla y transforma a lo largo de la pieza: un hilo conductor que ayuda al público a orientarse. Un apunte práctico: la terminología no está perfectamente estandarizada. La tradición francesa (la educación física escolar en Francia, el diccionario Récit ARTS) habla de unisson, canon, cascade, miroir, question-réponse, contrepoint, mientras que la tradición anglosajona (los programas GCSE británicos) emplea unison, canon, contrast, motif, retrograde, formations. Es mejor mantenerse en lo general que imponer una única nomenclatura.

Organizar los desplazamientos colectivos es, ante todo, pensar las formaciones, es decir, la manera en que los bailarines y los subgrupos ocupan el espacio escénico. Puedes disponer subgrupos en solo, dúo, trío o cuarteto, y organizar los conjuntos en círculo, columna, línea, cuadrado, diagonal o cortejo. Es esa organización del espacio, combinada con las relaciones entre bailarines, la que enriquece la pieza, mucho más que la dificultad técnica de los pasos tomados por separado.

Para situar esas formaciones hace falta un vocabulario de escenario compartido. El proscenio es el borde del escenario del lado del público (se baja hacia el público); el fondo es la parte trasera del escenario (se sube hacia el fondo): ambos son opuestos. A lo ancho, la izquierda del escenario y la derecha del escenario se nombran desde el punto de vista del bailarín de cara al público, así que quedan invertidas respecto a la izquierda y la derecha de la sala: lo que el intérprete llama su derecha cae a la izquierda del espectador. La tradición francesa usa en cambio côté cour (la derecha del escenario vista desde la sala) y côté jardin (la izquierda vista desde la sala): junto con face y lointain, son los cuatro puntos cardinales del teatro francés, y el nombre cour/jardin viene de la instalación de los cómicos en el palacio de las Tullerías, donde el palco real dio su nombre a los lados. Precaución importante: precisa siempre el punto de vista. En inglés, downstage (hacia el público) y upstage (hacia el fondo) vienen de los escenarios inclinados, y stage left / stage right se definen desde el punto de vista del actor de cara al público. Escribir “a la izquierda” sin decir desde dónde es una fuente clásica de error.

La legibilidad de conjunto también se trabaja con la jerarquía visual. Puedes dividir el escenario como una cuadrícula de tres zonas de ancho por tres de profundidad, es decir, nueve posiciones (proscenio izquierda/centro/derecha, centro izquierda/centro/derecha, fondo izquierda/centro/derecha). Los bailarines colocados hacia el proscenio y al centro son los más visibles y atraen más la atención: ahí es donde se pone lo que se quiere destacar. Una herramienta web como Stancz permite colocar y visualizar estas formaciones en 2D, en 3D y en vista del público, para comprobar de antemano lo que el público verá realmente.

Cuando una coreografía de grupo integra portés, el reparto de roles se vuelve una cuestión de seguridad tanto como de estética. El cheerleading ofrece un ejemplo estructurado: en un stunt, las bases levantan, sostienen, lanzan y recogen al flyer asegurando su estabilidad (en un stunt de dos bases, cada una sostiene un pie del flyer); el flyer, o top, ejecuta las figuras en altura; y el spotter se encarga de la seguridad.

El papel del spotter está definido con precisión por el reglamento de la federación USASF: es la persona cuya responsabilidad principal es prevenir lesiones protegiendo la zona de la cabeza, el cuello, la espalda y los hombros del top person durante un stunt, una pirámide o un toss. Debe pertenecer al equipo y estar formado en las técnicas de spotting. En concreto, se coloca por lo general al lado o detrás del stunt, de pie sobre la superficie de actuación, sin tener el torso debajo del stunt, y debe poder tocar a la base que vigila; una misma persona no puede ser a la vez base y spotter exigido.

Estos principios ilustran los roles y la cultura de seguridad de los portés en grupo, pero el reglamento de la USASF concierne específicamente al cheer: no se aplica tal cual a la danza escénica clásica o contemporánea, y no debe tomarse como una norma universal. Para cualquier trabajo de portés, apóyate en una federación o en un responsable cualificado, y no en indicaciones recogidas por internet. Como referencia, otras disciplinas colectivas también formalizan el arte del grupo: en twirling bâton, la prueba por equipos (Team Twirl) busca demostrar la fuerza del colectivo, donde la precisión técnica y la creatividad coreográfica se unen para lograr una actuación armoniosa; en Francia, la disciplina está federada por la FFSTB.