Hiphopchoreografie: crew, muzikaliteit en formaties

Muzikaliteit is de manier waarop dansers de muziek horen, interpreteren en dansen: ze bepaalt de toon van de bewegingen en levert de klanken die je volgt. Het structurele basisinstrument om dat te vertalen is de 8-count (tellen in achten), die een muzikale frase in acht tellen verdeelt en als kader dient om bewegingen te plaatsen. Na elke 8 tellen begint een nieuwe 8: de frasen volgen elkaar op als alinea’s die op de muziek een verhaal vertellen. Het begin van een 8-count vind je door de downbeat te herkennen, het sterkste accent van de maat.

Binnen een 8-count krijgen bepaalde tellen een accent. Je kunt bijvoorbeeld een scherpe beweging (sharp) op tel 1 en 5 zetten en daarna een vloeiende overgang op tel 3 en 7. Wil je fijner werken, dan deel je de tellen verder op: met de “and” (“one and two and…”) kom je op 16 tellen, en met “e and” verdeel je de 8 in 32 tellen bij snelle tempo’s. Handig om bewegingen te plaatsen die heel dicht op elkaar zitten.

Accentueren is ook kiezen op welke geluidslaag je danst. De bas (het laagste geluid) vraagt om geaarde bewegingen dicht bij de vloer, zoals stomps; de snaredrum, een droog, staccato geluid (“ka!”), vraagt om snelle, scherpe bewegingen; de hi-hat (“tss tss”) markeert de onderverdelingen; de synths, de elektronische klanken, vragen om “gooey” bewegingen, met weerstand en golven. De vuistregel: een snelle, scherpe beweging past beter bij een snare, terwijl ronde, vloeiende bewegingen beter passen bij langere baslijnen. Met andere woorden: het lichaam moet het geluid begrijpen en bewegen zoals het geluid.

Nog vóór de formaties is het de kwaliteit van de uitvoering die een choreografie overeind houdt. De basis is de groove (grooving): het natuurlijke knikken met het hoofd en meewiegen van het lichaam, dat de danser vervolgens uitbouwt tot choreografie. Het is de “flow” die elke pas en elk accent met elkaar verbindt. Daarbovenop komt het hitten (de hit): spieren aanspannen of buigen om een sterk geluid te markeren, met goed gedoseerde energie, niet te slap en ook niet “te full out”, een beetje zoals een audiovisualizer die op het geluid reageert.

Twee begrippen helpen je het materiaal te variëren. Milking betekent een beweging uitrekken voorbij haar natuurlijke eindpunt door de overgang te “rekken” (door te spelen met het traject en de versnelling). Texturen zijn de bewegingskwaliteiten die de sfeer van het nummer weerspiegelen: staccato, vloeiend (flowy) of ruw (gruff). Je krijgt ze door hits, milking en controle over de snelheid te combineren.

Om efficiënt te repeteren gebruik je marking: de choreografie gemarkeerd uitvoeren, met minder energie (meer in je hoofd dan in je lichaam), zodat je je kunt concentreren op de muziek, de timing en de posities. Dat is waardevol in een groep, waar synchronisatie voorop staat. Een opmerking over de woorden: deze termen (hit, groove, milking, marking) komen uit de Engelstalige scene en hebben niet allemaal een vaste vertaling. Ook in het Nederlands worden ze meestal gewoon in het Engels gebruikt.

In een groep is de eerste kracht het unisono: dansers voeren tegelijk dezelfde bewegingsfrase uit, eventueel met variaties in oriëntatie, richting, groepsgrootte of podiumzone. Om dat blokeffect te doorbreken is de canon het gedanste equivalent van de muzikale canon (“round”): twee of meer dansers (of groepen) voeren dezelfde frase uit met verschoven startpunten, overlappend of na elkaar; de canon kan strikt of los (loose) zijn. Mirroring (spiegelen), waarbij twee of meer dansers elkaars bewegingen symmetrisch weerspiegelen, versterkt de visuele aantrekkingskracht en benadrukt precisie en eenheid.

De ripple, ook wel cascade of wave genoemd, is een opeenvolgend golfeffect: één danser zet de beweging in en elke volgende danser voert haar snel na de vorige uit. De choreograaf kiest de richting (van links naar rechts, van voor naar achter, of van het midden naar buiten) en zet de ripple op de beat. De ripple dient ook om tussen formaties te wisselen en een sterke tel te benadrukken. Het tegenovergestelde van beweging zijn de holds: momenten waarop de dansers hun beweging bevriezen. Strategisch geplaatst accentueren ze de beats, zorgen ze voor visueel contrast en impact, en laten ze de muzikaliteit zien.

Blijft over: de energie over de hele duur beheren. Pacing wisselt bewegingen met hoge intensiteit af met tragere sequenties; interactie tussen dansers (battles, call-and-response, onderlinge relaties) bouwt de samenhang van het verhaal op, en oogcontact en gezichtsexpressie verbinden de dansers met het publiek. Let op: gechoreografeerde hiphop (commercial, in een crew) draait om uitgeschreven, gesynchroniseerde frasen en is iets anders dan freestyle, dat op improvisatie berust. De twee zijn niet uitwisselbaar.

Een groepschoreografie wint aan kracht als je de formaties varieert (lijnen, cirkels, driehoeken, diagonalen) om diepte, symmetrie en asymmetrie te creëren. Symmetrische formaties voelen strak en evenwichtig, asymmetrische formaties zorgen voor een interessante spanning; wie alle hoeken van het podium benut, maakt de performance groter en krachtiger. Twee vormen komen vaak terug: de V, veel gebruikt om een centrale danser uit te lichten (een leider vooraan, de anderen in een waaier erachter), en de driehoek, die een scherp focuspunt naar het midden geeft, ideaal voor een openingspose of een hoogtepunt.

Nadenken over het podium betekent ook nadenken over de zones. Het midden is het focuspunt voor sleutelmomenten en solo’s; de achterkant van het podium (upstage) geeft diepte en dient voor overgangen; de voorkant (downstage), het dichtst bij het publiek, laat intimiteit en gezichtsexpressie uitkomen. Voor links en rechts redeneer je vanuit de danser die naar het publiek kijkt: stage left is links van de danser, stage right rechts van de danser, en gezien vanuit de zaal is dat omgekeerd. In het Frans heten die kanten côté cour (links van de danser) en côté jardin (rechts van de danser), termen uit het Franse hoftheater, waarvan de zalen aan de ene kant uitkeken op een tuin (met name de Tuilerieëntuin in Parijs) en aan de andere kant op een binnenplaats. Voeg daar drie bewegingsniveaus aan toe (laag, midden, hoog), staand, geknield, gehurkt of springend, om visuele lagen te bouwen.

Wat een verzorgde choreografie onderscheidt, zijn vloeiende, bijna onzichtbare overgangen tussen bewegingen en formaties: je gebruikt verbindingspassen en repeteert de overgangen tot ze natuurlijk ogen. Op hiphopwedstrijden worden ze trouwens “creatief en onvoorspelbaar” verwacht. Om dat plaatsingswerk voor te bereiden, kun je met een tool als Stancz formaties neerzetten en bekijken in 2D, in 3D en in de Publieksweergave, nog voor je de zaal in gaat.