การแปรแถว: วิธีสร้างรูปแบบแถวการแสดง ทีละขั้นตอน

ในการเต้นกลุ่ม แถวแบบคลาสสิกคือรูปทรงเรขาคณิต ได้แก่ วงกลม สี่เหลี่ยม ข้าวหลามตัด สามเหลี่ยม แถวหน้ากระดาน ดาว กากบาท และแนวทแยง รูปเหล่านี้เป็นส่วนหนึ่งของสิ่งที่การเรียบเรียงท่าเต้นเรียกว่า “ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่” ควบคู่กับการจัดกลุ่ม (เดี่ยว คู่ สามคน หรือทั้งกลุ่ม) และการใช้พื้นที่ (นักเต้นยืนชิดหรือห่างกัน อยู่กลางหรือท้ายเวที อยู่ด้านขวาหรือด้านซ้าย) การเลือกแถวจึงเป็นการตัดสินใจพร้อมกันทั้งรูปของกลุ่ม ขนาดของกลุ่มย่อย และโซนบนเวทีที่จะใช้

แนวทแยงควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ เพราะสร้างความรู้สึกถึงความลึกและการเคลื่อนไหว ให้เส้นที่น่าดูกว่า และลดโอกาสที่นักเต้นจะบังกัน รูปแบบที่มีพลังมากคือแนวทแยงที่เอียงเล็กน้อย ซึ่งพบบ่อยในโชว์แจ๊สหรือฮิปฮอป เพื่อพาสายตาผู้ชมให้เคลื่อนข้ามเวที ส่วนแถวรูปตัว X วางนักเต้นไว้ที่ปลายแต่ละแฉกและตรงกลาง เพื่อเน้นช่วงไคลแมกซ์หรือจังหวะสำคัญ ตัววี (หรือพีระมิด) ดึงสายตาไปที่นักเต้นตรงยอด ซึ่งมักเป็นนักเต้นเดี่ยวที่ยืนกลางหน้าเวที

ระวังเรื่องชื่อเรียก ชื่อแถวหลายชื่อ (Flat W, Clustered Diamond, Starburst, Mini Hills และอื่นๆ) มาจากบล็อกของสตูดิโอเต้น ไม่ใช่ชื่อทางการ ให้ยึดรูปทรงสากล คือ แถวหน้ากระดาน แถวตอน แนวทแยง วงกลม บล็อกหรือสี่เหลี่ยม ตัววี ข้าวหลามตัด และแถวสลับฟันปลา แล้วถือว่าชื่อแปลกๆ เป็นแค่รูปแบบย่อย “กระดานหมากรุก” ที่บางคนพูดถึงสำหรับการยืนแบบนี้ ที่จริงก็คือแถวสลับฟันปลา (staggered) คือยืนเหลื่อมแถวกันเพื่อไม่ให้ใครถูกบังอยู่หลังคนอื่น และทุกคนยังมองเห็นได้จากที่นั่งผู้ชม

เมื่อเลือกแถวได้แล้ว เทคนิคการเรียบเรียงคือสิ่งที่ทำให้แถวมีชีวิต แบบพร้อมกัน (unison) คือนักเต้นทุกคนทำท่าเดียวกันทุกอย่างในเวลาเดียวกัน ให้พลังกับสิ่งที่จะสื่อ แบบแคนนอน (canon) ใช้ชุดท่าเดียวกันแต่ไม่เริ่มพร้อมกัน นักเต้นแต่ละคนหรือแต่ละกลุ่มเริ่มเหลื่อมกันเป็นช่วงสม่ำเสมอ (เช่น ทุก 2, 3 หรือ 4 จังหวะ) ทำให้มีจุดยึดแต่ยังเห็นความเป็นตัวของตัวเอง แบบต่อเป็นทอด (cascade) ซึ่งต่างจากแคนนอน ให้นักเต้นผลัดกันเข้าออกเวทีต่อเนื่องกันไป ช่วยเพิ่มการเคลื่อนไหวและทำให้การใช้พื้นที่มีชีวิตชีวา

ยังมีเทคนิคอื่นที่ช่วยให้การร้อยต่อมีมิติมากขึ้น แบบแยกแล้วตามทัน คือนักเต้นหนึ่งคนหรือกลุ่มย่อยแยกออกจากการเต้นพร้อมกัน แล้ว “ตามทัน” ชุดท่าตรงจุดที่กลุ่มเต้นไปถึง ก่อนกลับมาเต้นพร้อมกันอีกครั้ง ซึ่งยิ่งทำให้ภาพการเต้นพร้อมกันชัดขึ้น แบบหลายเสียง (polyphony) ให้นักเต้นแต่ละคนเข้ามา ทำวลีท่าเต้นของตัวเองซ้ำกี่ครั้งก็ได้ แล้วออกไป โดยมีกฎง่ายๆ ข้อเดียวคือเวทีต้องไม่ว่าง ส่วนแบบสะสม (accumulation) ใช้ได้ทั้งกับท่า (A แล้ว AB แล้ว ABC ต่อไปเรื่อยๆ) หรือกับนักเต้นที่ค่อยๆ เพิ่มเข้ามา ซึ่งช่วยไม่ให้ทั้งกลุ่มต้องอยู่บนเวทีตลอดเวลา

สำหรับโครงสร้างของทั้งชิ้นงาน มีหลายวิธีให้เลือก เช่น แบบเล่าเรื่อง (ดำเนินเป็นเส้นตรง ต้น กลาง จบ แบบบัลเลต์คลาสสิก) แบบถามตอบ (ท่าหนึ่งเรียกให้เกิดอีกท่าหนึ่ง) แบบท่อนฮุกสลับท่อนร้อง (ชุดท่าที่วนกลับมาเหมือนในเพลง) แบบแปรผันจากธีมเดียว หรือแบบสุ่มตามแนวของ Merce Cunningham ลองคิดถึงความสัมพันธ์ระหว่างนักเต้นด้วย ความต่าง (สูงกับต่ำ ใหญ่กับเล็ก นิ่งกับเคลื่อนไหว) “เติมสีสัน” และความสมมาตร คือท่าทางด้านซ้ายที่ทำซ้ำทางด้านขวา ให้ความรู้สึกสมดุลและมั่นคง

การวางแถวต้องมีภาษากลางสำหรับบรรยายเวที ซึ่งยืมมาจากการละคร เมื่อมองจากผู้ชมที่นั่งอยู่ในโรงละคร ฝั่งขวาของเวทีเรียกตามธรรมเนียมฝรั่งเศสว่า côté cour และฝั่งซ้ายเรียกว่า côté jardin (ส่วนภาษาอังกฤษนับจากนักแสดง ฝั่งขวาที่ผู้ชมเห็นจึงเป็น stage left) คำเหล่านี้มาจากพระราชวังตุยเลอรีในคริสต์ศตวรรษที่ 17 ในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส คำที่อ้างถึงราชวงศ์ (ฝั่งของกษัตริย์ ฝั่งของพระราชินี) ถูกแทนด้วย jardin (สวน) และ cour (ลาน) คำเหล่านี้บอกว่าเราอยู่ตรงไหน แต่ไม่ใช่รูปแถว อย่าสับสนระหว่างศัพท์บอกพื้นที่กับรูปของกลุ่ม

ความลึกก็มีชื่อเรียกเช่นกัน หน้าเวทีคือส่วนที่ใกล้ผู้ชมที่สุด ท้ายเวทีคือส่วนในสุด เมื่อเดินไปทางหน้าเวทีเรียกว่า “ลง” และเดินไปทางท้ายเวทีเรียกว่า “ขึ้น” คำกริยาเหล่านี้มีที่มาจริง ในโรงละครแบบอิตาเลียน พื้นเวทีลาดเอียงลงหาผู้ชมเพื่อเพิ่มความลึกและให้มองเห็นชัดขึ้น จึงพูดว่า “ขึ้น” ไปท้ายเวที และ “ลง” มาหน้าเวที (ตรงกับ upstage และ downstage ในภาษาอังกฤษ)

หลักไวยากรณ์ของพื้นที่นี้นำมาใช้กับการเต้นได้โดยตรง เพื่อคิดเรื่องตำแหน่งและเส้นทางเคลื่อนที่ การจัดวางที่ดีต้องเสริมท่าเต้นและเพลง ไม่ใช่แย่งความสนใจ ต้องดึงผู้ชมเข้ามา เล่นกับจุดที่ผู้ชมมอง และขับให้ท่าเต้นเด่นขึ้น วิธีที่ปลอดภัยที่สุดคือกำหนดเจตนาหรือความรู้สึกที่ต้องการก่อน แล้วจึงออกแบบตำแหน่งให้รับใช้ภาพนั้น ไม่ใช่กลับกัน

ก่อนซ้อม ให้วาดก่อน Susan Jones ผู้ควบคุมคณะบัลเลต์ (ballet mistress) ของ American Ballet Theatre แนะนำให้วาดภาพมุมสูงของแต่ละแถวด้วยตัว X และ O เหมือนแผนการเล่นของอเมริกันฟุตบอล เพื่อให้เห็นเส้นทางเคลื่อนที่และระยะห่าง นักออกแบบท่าเต้นบางคนใช้ของชิ้นเล็กๆ เช่น เหรียญ ตัวหมากรุก หรือดินน้ำมันหลากสี มาวางเส้นทางและการเปลี่ยนแถว โดยใช้สีให้สัมพันธ์กันเพื่อดูผลของการยืนค้างหรือของแถวแต่ละแบบ

บนเวที ให้ทำเครื่องหมายบนพื้น ใส่ตัวเลขที่ขอบหน้าและขอบหลังตามความกว้าง และติดเส้นสีแนวนอนเพื่อบอกความลึก ให้นักเต้นทุกคนรู้ที่ยืนของตัวเอง ถ้าจะหาจุดติดขัด ใช้เทคนิคของ Rockettes คือเดินทั้งโชว์จากแถวหนึ่งไปอีกแถวหนึ่งโดยไม่เต้นท่า การเดินแบบนี้จะเผยปัญหาการสัญจรหรือจังหวะเวลา ถ้านักเต้นต้องรีบ ให้ปรับจังหวะเวลาหรือเพิ่มสเต็ปเชื่อม ไม่มีระยะห่างมาตรฐานที่ใช้ได้ทุกที่ ต้องปรับตามขนาดเวทีแล้วตรวจด้วยการเดิน

เมื่อแก้แถว ให้จำหลักเหล่านี้ไว้ เปลี่ยนระดับ (ยืน คุกเข่า กระโดด) ทำการเปลี่ยนแถวให้เป็นธรรมชาติ ใช้ตำแหน่งขับนักเต้นเดี่ยวให้เด่น ถ่วงสมดุลระหว่างสมมาตรกับอสมมาตร และใช้ทั้งเวทีเพื่อไม่ให้กลุ่มกระจุกตัว เครื่องมือบนเว็บอย่าง Stancz ช่วยวางและดูตำแหน่งเหล่านี้ได้ทั้งแบบ 2D, 3D และมุมมองผู้ชม ทำให้คาดได้ล่วงหน้าว่าผู้ชมจะเห็นอะไรจริงๆ ก่อนซ้อมบนเวทีครั้งแรก