舞台上的舞者站位:方法与参照点

发布于

把舞者安排到舞台上,不只是把他们分散在空间里:而是要组织纵深、宽度和高度层次,让观众清楚读懂台上正在发生什么。前提是大家要有一套共同的术语和几条经过检验的原则。本指南汇集了舞台术语和具体的空间参照点,写给编舞师、舞蹈老师和舞者。它先介绍在纸上就能用的舞蹈站位方法,再讲舞者站位 App 在排练中具体能带来哪些改变。

舞台术语:上场口、下场口、台口、舞台后区

在安排任何人之前,先要给空间命名。从观众的角度,也就是从观众席看,舞台右侧是下场口,左侧是上场口。对面向观众的表演者来说正好相反:上场口在他的右手边,下场口在他的左手边。要记住也不难:一律以观众席为准,“上左、下右”——上场口在左,下场口在右。

法语剧场把这两侧称为 cour(庭院侧,即从观众看的右侧、下场口一侧)和 jardin(花园侧,即左侧、上场口一侧),这对说法有明确的历史来源。它们源自 17 世纪巴黎杜伊勒里宫机械剧场的布局。从国王居中的包厢看出去,一侧朝向王宫庭院(côté cour),另一侧朝向杜伊勒里花园(côté jardin)。后来这一惯例推广到所有法语剧场,即使那里早已没有真正的庭院或花园。

剩下的两个参照点,是关于纵深的。台口(舞台前区)是舞台上离观众最近的部分,也就是表演区的前部;舞台后区(舞台深处)与之相对,是离观众最远的部分,以后墙或天幕为界。台口、舞台后区、上场口和下场口,就构成了舞台的四个参照点,可以把舞台想象成一组相邻的区块,像一张棋盘。还要注意:侧台(wings)是舞台两侧的台外区域,用幕布或景片挡住观众视线,供上下场使用。

划分空间:纵深、宽度、高度层次(以及英文对应说法)

在舞蹈中,舞台空间沿三个维度来使用:纵深(从台口到舞台后区)、宽度(从下场口到上场口)和高度层次(低、中、高)。编舞师的工作,正是在这三个维度里安排舞者的造型和移动路线。用三条轴来思考,而不是只看平面,能避开“所有人挤在同一处排成一排”的陷阱,也让观众读到丰富得多的画面。

英文舞台术语与这些参照点部分重合,值得了解。upstage 指舞台后部,离观众最远;downstage 指前部,离观众最近;stage left 和 stage right 是从面向观众的表演者视角说的左和右(所以观众席一侧的左边 house left 对应的是 stage right)。up/down 的说法来自过去的倾斜舞台(raked stage),后部在物理上更高:走向观众是“下”,远离观众是“上”。但要注意:台口/舞台后区与 downstage/upstage 描述的是同一条前后轴线,它们只是使用上的对应,并不是可以严格互换的译名,因为词源不同。

以这两条轴为基础,常把舞台划分成九个区:前后方向(downstage、center、upstage)与左右方向(left、center、right)交叉,得到 downstage left、downstage center、downstage right、center left、center、center right、upstage left、upstage center、upstage right。舞台中央(center stage)被视为最有力的表演区,也是舞台天然的视觉焦点。这种 3×3 网格是一种广泛使用的实用划分,主要来自戏剧教学资料,而不是通用标准:有些资料只保留几个主要参照点。

平衡、体量与可读性:站位是为了被看见

编舞师的基本队形包括横排、斜排、三角形、圆形和“团块”(clumps,即聚在一起的小组)。它们的效果并不相同:向舞台后区错开的斜线,看起来比直线更有动感、更流畅,也让舞台更有纵深和层次。当代的趋势也在朝这个方向走:不再只用简单的直线,而是改用更多样、更“公平”的队形,让更多舞者被看见。

可读性直接取决于视线。把各排错开(stagger),后排舞者就能从前排舞者之间的空隙中被看到。好的站位还会把实力强的舞者分布在舞台不同位置,而不只放在第一排。每个人站在哪里,也不只取决于技术水平:身高、记动作的能力和舞台表现力同样重要。站在 downstage center(台口正中)的舞者需要好记性、敢于领舞的自信和很强的表演意识;站在 upstage center(后区正中)的往往是个子最高的,因为这样在后面也能被看到。

群体站位也要借助编排手法来处理。齐舞,即所有舞者同时做同一个动作,能带来力量感,也是一个参照点。卡农让其他舞者以固定间隔重复同一个舞句,营造回声或共鸣的效果。错位利用不规则或随机的间隔,而波浪让一连串上场或动作依次接续。这些手法既组织动作,也组织空间的使用。

间距与排练的实用参照

关于间距,有个简单的参照:每位舞者都应能站进自己想象中的“呼啦圈”里,而且圈与圈互不相碰。间隔要足以避免拥挤,又不能失去整体的凝聚感。要把排练室里的参照点带到舞台上,建议在排练和演出时都用地标或胶带把站位标在地面上。另外,只把排练中已经掌握的站位和间距放进编舞。

对于很小的舞者(7 岁以下),最好把编舞限制在最多两三个队形,并避免斜线,因为斜线需要更强的空间意识和协调能力。这时,简单的站位就是演出成功的直接保障。想提前可视化并测试这些队形,可以用 Stancz 这样的工具摆放舞者,并以 2D、3D 和观众视角预览队形。

当站位涉及多人技巧动作时(比如啦啦操),角色分工很明确。底座(base)负责支撑和稳定:把尖子托起并保持平衡。尖子(flyer,也叫 top)是位于最上方的人,完成跳跃、转体和空中动作。保护(spotter)负责安全,随时准备扶护和接住。保护的站位规则很严格:必须是掌握保护技术的队员,站在比赛场地上,位于托举的侧面或后方,可以接触托举的底部,手里不能拿任何会妨碍保护的东西,躯干不能位于托举下方,也不能是尖子的主要支撑;一旦跌落,优先保护头部、颈部、背部和肩部。这些原则在各资料中是一致的,但具体要求因协会和比赛级别而异:官方规则请以相关协会的规定为准。

常见问题

上场口和下场口:在左边还是右边?
取决于视角。从观众席看,下场口在舞台右侧,上场口在左侧。对面向观众的表演者来说正好相反:上场口在他的右手边,下场口在他的左手边。记法:以观众席为准,“上左、下右”。
台口/舞台后区和 downstage/upstage 有什么区别?
两组词描述的是同一条纵深轴线。台口(downstage)是前部,离观众最近;舞台后区(upstage)是后部,离观众最远。这只是使用上的对应:两者来源不同(法语的对应术语来自剧场的布局,英文的 up/down 来自倾斜舞台),所以并不是可以严格互换的译名。
怎样在舞台上把舞者间距排好?
一个简单的参照:每位舞者都应能站进自己的“呼啦圈”,而且圈与圈互不相碰——间隔足以避免拥挤,同时保持整体感。把各排错开,能让后排舞者从前排之间被看到。另外,只把排练中已经掌握、并在地面做了标记的站位放进演出。
为什么优先用斜线而不是直线?
向舞台后区错开的斜线,看起来比直线更有动感、更流畅,还能为舞台增加纵深和层次。目前的趋势是使用更多样、更公平的队形,让更多舞者被看见。例外:面对 7 岁以下的孩子,要避免斜线,最多用两三个队形。

参考资料

本指南参考了以下资料,均在撰写时查阅。

  1. 1.larousse.fr
  2. 2.courslesinsurges.com
  3. 3.captitles.com
  4. 4.broadwayworld.com
  5. 5.numeridanse.com
  6. 6.slidetodoc.com
  7. 7.balletcurriculum.com
  8. 8.danceparent101.com
  9. 9.discussion.tiwariacademy.com
  10. 10.clubsatrivercity.com
  11. 11.en.wikipedia.org

延伸阅读

掌握舞者在舞台上的站位:上场口、下场口、台口、舞台后区、横排与斜线。了解舞台参照点和画面平衡,让坐在观众席的每个人都看得清楚。

开始使用