舞蹈隊形編排：一步一步設計群舞隊形

在群舞裡，經典隊形都是幾何圖形：圓形、正方形、菱形、三角形、直線、星形、十字形和斜線。它們屬於編舞構成裡所說的「空間關係」，和分組（獨舞、雙人、三人、全體）以及空間的使用（舞者靠得近或分得開、在中央或在後方、在右邊或在左邊）並列。所以，選一個隊形，就是同時決定群體的圖形、小組的大小，以及占用舞台的哪個區域。

斜線值得特別注意：它營造縱深和動感，拉出更有視覺趣味的線條，也降低舞者互相遮擋的風險。一種很有動感的變化是稍微傾斜的斜線，常見於爵士或街舞作品，用來帶著觀眾的視線在舞台上移動。「X」形隊形則在每個端點和中心各放舞者，用來突顯高潮或重點時刻。V 字形（或金字塔形）會把目光引向尖端的舞者，通常是站在前方中央的獨舞者。

注意用詞：很多隊形名稱（Flat W、Clustered Diamond、Starburst、Mini Hills……）來自舞蹈工作室的部落格，不是正式的命名。就用通用的圖形——橫排、直排、斜線、圓形、方塊、V 字、菱形、交錯站位——把那些花俏的名字當成變化就好。有時說的「棋盤式」站位，其實就是交錯站位（staggered）：把每排錯開，讓誰都不會被其他舞者擋住，每個人都能被觀眾看見。

選好隊形之後，讓它們活起來的是編排手法。同步（unison）——所有舞者在同一時間做完全相同的事——讓表達更有力量。卡農（canon）重複同一段動作，但不同時開始：每位舞者或每組依固定的間隔進來（例如每 2、3 或 4 拍），既提供參考點，又保留個人特色。骨牌式（cascade）要和卡農分清楚：它讓舞者輪流進場、出場，一個接一個，帶來動感，讓空間的使用活起來。

還有其他手法能讓串接更豐富。「脫隊再追上」：一位舞者或一個小組離開同步，再從動作正在進行的地方「追上」，然後回到同步，反而更強化同步的效果。複調（polyphonie）讓每位舞者進場、隨意重複自己的舞句再出場，只有一條簡單的規則：舞台上永遠不能空無一人。累積則可以用在動作上（A，然後 AB，然後 ABC……），也可以用在逐漸加入的舞者上，這樣就不必讓整群人一直都在台上。

要組織整部作品的結構，有幾種發展方式：情節或敘事（像古典芭蕾那樣依開頭、發展、結尾一路推進）、問答（一段動作陳述引出另一段）、副歌與主歌（像歌曲一樣重複某段動作）、同一主題的變奏，或是 Merce Cunningham 式的隨機編排。也要想想舞者之間的關係：對比（高與低、大與小、靜止與移動）能「增添色彩」，而對稱——左邊的動作在右邊重複——能營造平衡和穩定感。

安排隊形，需要一套描述舞台的共同語言，這套語言借自劇場。從坐在觀眾席的觀眾角度看，法國劇場說的 côté cour 在他的右側，côté jardin 在他的左側。這套說法來自 17 世紀的杜樂麗宮；法國大革命時，帶有王室色彩的舊稱（國王側、王后側）被「jardin」和「cour」取代。這些用語描述的是你在哪裡，但它們不是隊形：不要把空間用語和群體的造型混為一談。

縱深也有名稱：face 是舞台上離觀眾最近的部分（舞台前緣），lointain 是舞台深處（舞台後方）。在法語裡，走向前緣叫「下」，走向後方叫「上」。這兩個動詞有具體的來源：在義大利式（鏡框式）劇場裡，舞台朝觀眾傾斜，用來營造縱深、改善視線，所以往後方是「上」，往前緣是「下」。

這套空間的「文法」可以直接用在舞蹈上，幫你思考站位和走位。好的舞台調度（staging）應該襯托作品和音樂，而不是和它們搶戲：它吸引觀眾、運用觀眾的視覺焦點，並突顯編舞。最穩當的方法是先確定想傳達的意圖或感受，再依照這個構想設計站位，而不是反過來。

排練之前，先畫出來。American Ballet Theatre（美國芭蕾舞劇院）的排練指導 Susan Jones 建議，用 X 和 O 畫出每個隊形的鳥瞰圖，就像美式足球的戰術圖。為了看清路徑和間距，有些編舞者會用小東西，例如硬幣、棋子、彩色黏土，標出路線和隊形轉換，並用顏色區分，看出某個定格或某個隊形的效果。

到了舞台上，在地面做記號：沿著寬度方向在前後兩邊標上編號，再貼上橫向的彩色線條標示縱深，讓每位舞者都知道自己的位置。要找出塞車的地方，可以用 Rockettes 的方法：從一個隊形到下一個隊形，把整支舞完整走一遍，不做舞步。這樣走一遍，就能看出走位衝突或時間上的問題；如果有舞者必須匆忙趕位，就調整時間，或加入銜接的步伐。沒有通用的間距標準：要依舞台尺寸調整，再實際走一遍確認。

修改隊形時，可以參考這幾點：變換高低層次（站、跪、跳），讓隊形轉換自然，用站位突顯獨舞者，在對稱和不對稱之間取得平衡，並用滿整個舞台，避免整群人擠在一起。Stancz 這類網頁工具可以擺放並檢視這些站位，有 2D、3D 和觀眾視角，幫你在第一次上台排練之前，預先看到觀眾實際會看到的畫面。