Coreografia hip-hop: crew, musicalità e formazioni

La musicalità è il modo in cui i ballerini sentono, interpretano e ballano la musica: dà il tono ai movimenti e fornisce i suoni da seguire. Lo strumento strutturale di base per tradurla è l’8-count (il conteggio in 8), che divide una frase musicale in otto tempi e fa da cornice per collocare i movimenti. Dopo ogni 8 tempi ne comincia un altro: le frasi si susseguono come paragrafi che raccontano una storia sulla musica. L’inizio di un 8-count si individua riconoscendo il downbeat, l’accento più forte della battuta.

All’interno di un 8-count, alcuni tempi sono accentati. Puoi per esempio mettere un movimento netto (sharp) sui tempi 1 e 5, poi proseguire con una transizione fluida sui tempi 3 e 7. Per essere più precisi, il conteggio si suddivide: con gli « and » (« one and two and… ») si segnano 16 tempi, e con gli « e and » si scompone in 32 tempi sui brani veloci, utile per inserire movimenti molto ravvicinati.

Accentuare significa anche scegliere quale strato sonoro ballare. Il basso (il suono più grave) chiama movimenti radicati, a terra, come gli stomp; il rullante (snare), suono secco e staccato (« ka! »), chiama movimenti vivaci e netti; l’hi-hat (« tss tss ») segna le suddivisioni; i synth, suoni elettrici, chiamano movimenti « gooey », con resistenza e onde. La regola pratica: un movimento rapido e netto si sposa meglio con lo snare, mentre movimenti arrotondati e fluidi si adattano alle linee di basso più lunghe. In altre parole, il corpo deve capire il suono e muoversi come lui.

Prima delle formazioni, è la qualità dell’esecuzione a reggere una coreografia. La base è il grooving: i cenni del capo e le oscillazioni naturali che il ballerino sviluppa poi in coreografia; è il « flow » che collega ogni passo e ogni accento. Su tale base arriva l’hitting (hit): contrarre o flettere i muscoli per segnare un suono forte, con un’energia ben dosata (né troppo molle, né « troppo full out »), un po’ come un visualizzatore audio che reagisce al suono.

Due nozioni servono a variare il materiale. Il milking consiste nell’allungare un movimento oltre il punto in cui si fermerebbe naturalmente, « tirando » la transizione (giocando su tragitto e accelerazione). Le texture sono le qualità di movimento che riflettono l’atmosfera del brano: staccato, fluido (flowy) o ruvido (gruff). Si ottengono combinando hit, milking e controllo della velocità.

Per provare in modo efficace si usa il marking: eseguire accennando, con meno energia (più nella mente che nel corpo), per concentrarsi su musica, timing e posizioni. È prezioso in gruppo, dove la sincronizzazione viene prima di tutto. Nota di vocabolario: tali termini (hit, groove, milking, marking) vengono dall’ambiente anglofono e non tutti hanno un equivalente codificato in francese o in italiano; nelle sale si usano per lo più così come sono.

In gruppo, la prima forza è l’unisono: i ballerini eseguono la stessa frase di movimento nello stesso momento, eventualmente con variazioni di orientamento, di direzione, di dimensione del gruppo o di zona del palco. Per rompere l’effetto blocco, il canone è l’equivalente danzato del canone musicale a più voci: una stessa frase viene eseguita da due o più ballerini (o gruppi) con punti di partenza sfalsati, in sovrapposizione o in successione; può essere rigoroso o libero (loose). Il mirroring (effetto specchio), in cui due o più ballerini riflettono simmetricamente i propri movimenti, aumenta l’impatto visivo e sottolinea precisione e unità.

Il ripple, chiamato anche cascata o wave, è un effetto onda sequenziale: un ballerino avvia il movimento e ogni ballerino successivo lo esegue in rapida successione. Il coreografo ne sceglie la direzione (da un lato all’altro, dal davanti al fondo o dal centro verso i lati) e lo aggancia al beat; il ripple serve anche a passare da una formazione all’altra e a sottolineare un tempo forte. All’opposto del movimento, gli hold (tenute) sono momenti in cui i ballerini si bloccano nella posa: collocati in modo strategico, accentuano i beat, creano contrasto visivo e impatto e mettono in risalto la musicalità.

Rimane da dosare l’energia sulla durata. Il pacing alterna movimenti ad alta intensità e sequenze più lente; l’interazione tra i ballerini (battle, call-and-response, relazioni) costruisce la coerenza narrativa, e lo sguardo come le espressioni facciali collegano gli interpreti al pubblico. Da notare: l’hip-hop coreografato (commercial, in crew) si basa su frasi scritte e sincronizzate, da distinguere dallo stile libero basato sull’improvvisazione: i due non sono intercambiabili.

In una coreografia di gruppo conviene variare le formazioni (linee, cerchi, triangoli, diagonali) per creare profondità, simmetria e asimmetria. Le formazioni simmetriche danno una sensazione pulita ed equilibrata, mentre quelle asimmetriche creano una tensione interessante; sfruttare tutti gli angoli del palco rende l’esibizione più ampia e più potente. Due forme ricorrono spesso: la V, molto usata per mettere in risalto un ballerino centrale (un leader davanti, gli altri disposti dietro), e il triangolo, che offre un punto focale netto verso il centro, ideale per una posa d’apertura o un momento forte.

Pensare il palco significa anche pensarne le zone. Il centro è il punto focale per i momenti chiave e gli assoli; il fondo (upstage) crea profondità e serve per le transizioni; il proscenio (downstage), il più vicino al pubblico, valorizza l’intimità e le espressioni del viso. Per la lateralità si ragiona dal punto di vista del ballerino rivolto verso il pubblico: stage left è alla sua sinistra, stage right sul lato opposto. In francese gli stessi lati si chiamano côté cour (stage left) e côté jardin (stage right), una terminologia ereditata dal teatro di corte francese, le cui sale si affacciavano da un lato sul giardino (in particolare il giardino delle Tuileries a Parigi) e dall’altro sul cortile. A ciò si aggiungono tre livelli di movimento (basso, medio, alto), in piedi, in ginocchio, accovacciati o in salto, per creare strati visivi.

Ciò che distingue una coreografia curata sono transizioni fluide e quasi invisibili tra movimenti e formazioni: si usano passi di collegamento e si provano le transizioni finché non sembrano naturali. Nelle gare di hip-hop, d’altronde, ci si aspetta che siano « creative e imprevedibili ». Per preparare il lavoro sulle posizioni, uno strumento come Stancz ti permette di posizionare e visualizzare le formazioni in 2D, in 3D e nella Vista pubblico prima di passare in sala.