Come creare formazioni di danza: guida passo passo

Nella danza di gruppo, le formazioni classiche sono figure geometriche: cerchio, quadrato, rombo, triangolo, linea, stella, croce e diagonale. Fanno parte di ciò che la composizione chiama «relazioni spaziali», accanto ai raggruppamenti (assoli, duetti, terzetti, gruppo intero) e all’occupazione dello spazio (ballerini vicini o distanziati, al centro o sul fondo, su un lato o sull’altro). Scegliere una formazione significa quindi decidere insieme il disegno del gruppo, la dimensione dei sottogruppi e la zona del palco occupata.

La diagonale merita un’attenzione particolare: crea un’impressione di profondità e di movimento, produce linee visivamente più interessanti e riduce il rischio che i ballerini si coprano a vicenda. Una variante molto dinamica è la linea diagonale leggermente inclinata, che si vede spesso nelle routine jazz o hip-hop per far viaggiare lo sguardo del pubblico. La formazione a «X», invece, mette un ballerino su ogni punta e uno al centro per sottolineare un climax o un momento forte. La V (o piramide) attira lo sguardo sul ballerino in punta, spesso il solista collocato al centro, in proscenio.

Attenzione al vocabolario: molti nomi di formazioni (Flat W, Clustered Diamond, Starburst, Mini Hills...) vengono da blog di scuole di danza e non costituiscono una nomenclatura ufficiale. Attieniti alle figure universali (linea, colonna, diagonale, cerchio, blocco o quadrato, V, rombo, quinconce) e tratta le denominazioni fantasiose come semplici varianti. La «scacchiera» che si cita a volte per un posizionamento del genere corrisponde in realtà alla disposizione a quinconce (staggered), cioè a file sfalsate: si sfalsano le file in modo che nessuno rimanga nascosto dietro un altro ballerino e che ognuno sia visibile al pubblico.

Una volta scelte le formazioni, sono i procedimenti compositivi a dar loro vita. L’unisono (tutti i ballerini fanno esattamente la stessa cosa nello stesso momento) dà forza al discorso. Il canone riprende la stessa sequenza, ma senza una partenza simultanea: ogni ballerino o gruppo entra con uno sfasamento regolare (per esempio ogni 2, 3 o 4 tempi), il che crea un riferimento pur preservando l’individualità. La cascata, da distinguere dal canone, fa succedere i ballerini con entrate e uscite alternate: dà movimento e anima l’occupazione dello spazio.

Altri procedimenti arricchiscono la concatenazione. Il «lascia e riprendi»: un ballerino o un sottogruppo esce dall’unisono e poi «riaggancia» la sequenza nel punto in cui è arrivata, prima di tornare all’unisono, il che rafforza proprio l’effetto d’unisono. La polifonia lascia che ogni ballerino entri, ripeta la propria frase a piacere ed esca, con una regola semplice: il palco non deve mai rimanere vuoto. L’accumulazione, invece, può riguardare i movimenti (A, poi AB, poi ABC...) o i ballerini che si aggiungono progressivamente, il che evita di avere tutto il gruppo sempre in scena.

Per strutturare un intero pezzo esistono diverse modalità di sviluppo: lo scenario o la narrazione (andamento lineare inizio-sviluppo-fine, come nel balletto classico), la domanda/risposta (un enunciato di movimento che ne richiama un altro), il ritornello/strofa (una sequenza ripresa come in una canzone), la variazione su uno stesso tema, oppure il caso alla maniera di Merce Cunningham. Pensa anche alle relazioni tra i ballerini: il contrasto (alto/basso, grande/piccolo, fermo/in movimento) «dà colore», e la simmetria, cioè un movimento eseguito a sinistra e ripreso sul lato opposto, crea un’impressione di equilibrio e di stabilità.

Posizionare le formazioni presuppone un linguaggio condiviso per parlare del palco, ereditato dal teatro. Per lo spettatore seduto in platea, il lato alla sua destra si chiama in francese côté cour e quello alla sua sinistra côté jardin; per chi è in scena, rivolto al pubblico, è il contrario. È un vocabolario nato nel palazzo delle Tuileries nel XVII secolo: con la Rivoluzione, i riferimenti reali (lato del re, lato della regina) furono sostituiti da «jardin» e «cour». Sono termini che indicano dove ti trovi, ma non sono formazioni: non confondere la terminologia dello spazio con il disegno del gruppo.

Anche la profondità ha i suoi nomi: il proscenio è la parte del palco più vicina al pubblico, il fondo è la parte posteriore. Si «scende» quando si va verso il proscenio e si «sale» verso il fondo. Sono verbi con un’origine concreta: nei teatri all’italiana il palco era inclinato verso il pubblico per dare profondità e migliorare la visibilità, da qui l’abitudine di «salire» verso il fondo e «scendere» verso il proscenio.

La grammatica dello spazio si trasferisce direttamente alla danza per ragionare su posizionamenti e spostamenti. Una buona messa in scena (staging) deve completare il pezzo e la musica senza entrare in competizione con loro: attira il pubblico, gioca con il suo punto focale e valorizza la coreografia. Il metodo più sicuro consiste nel definire prima l’intenzione o la sensazione che cerchi, poi nel progettare il posizionamento al servizio di quella visione, e non il contrario.

Prima di provare, disegna. Susan Jones, maître de ballet all’American Ballet Theatre, consiglia di tracciare una vista dall’alto di ogni formazione con delle X e delle O, come uno schema di gioco del football americano. Per visualizzare percorsi e spaziature, alcuni coreografi usano piccoli oggetti (monete, pezzi degli scacchi, plastilina colorata) per mappare tragitti e transizioni, abbinando i colori per vedere l’effetto di una posizione mantenuta o di una formazione.

Sul palco, segna il pavimento: numera la parte anteriore e quella posteriore (la larghezza) e traccia linee colorate orizzontali per la profondità, così ogni ballerino conosce il proprio posto. Per scovare gli ingorghi, applica la tecnica delle Rockettes: percorri camminando tutta la routine, di formazione in formazione, senza eseguire i passi. La camminata rivela i problemi di traffico o di timing; se dei ballerini devono correre, regola il timing o aggiungi passi di collegamento. Non esiste una distanza di spaziatura universale: ti adatti alle dimensioni del palco e verifichi camminando.

Quando modifichi una formazione, tieni a mente le buone pratiche: varia i livelli (in piedi, in ginocchio, in salto), cura transizioni naturali, valorizza i solisti con il posizionamento, bilancia simmetria e asimmetria e usa tutto il palco per evitare che il gruppo si ammassi. Strumenti web come Stancz permettono di impostare e visualizzare tali posizionamenti in 2D, in 3D e dalla platea (Vista pubblico), il che aiuta a prevedere ciò che il pubblico vedrà davvero prima della prima prova sul palco.