Posizionamento dei ballerini sul palco: metodo e riferimenti

Prima di posizionare chiunque, bisogna dare un nome allo spazio. Dal punto di vista dello spettatore in platea, il lato destro del palco è quello che i francesi chiamano côté cour e il lato sinistro il côté jardin. Per l’interprete rivolto al pubblico vale il contrario: la cour è alla sua sinistra e il jardin dalla parte opposta. Più che un trucco mnemonico, conta un’abitudine: dichiara sempre il punto di vista, platea o interprete. Nel teatro anglosassone, per esempio, stage left e stage right si riferiscono a chi è in scena.

I termini francesi hanno un’origine storica precisa. Derivano dalla disposizione della Salle des Machines, nel palazzo delle Tuileries a Parigi, nel XVII secolo. Dal palco centrale del re, un lato dava sul cortile del palazzo (côté cour) e l’altro sul giardino delle Tuileries (côté jardin). La convenzione si è poi diffusa in tutti i teatri francofoni, anche dove non ci sono più né un cortile né un giardino veri.

Rimangono gli altri due riferimenti, quelli della profondità. Il proscenio è la parte del palco più vicina allo spettatore, la parte anteriore; il fondo è il suo opposto, la zona più lontana dal pubblico, delimitata dalla parete o dal fondale. Proscenio, fondo e i due lati formano così i quattro punti di riferimento del palco, che puoi immaginare come un insieme di spazi contigui, una sorta di scacchiera. Da notare anche: le quinte (wings) sono le zone laterali fuori scena, nascoste al pubblico da tende o pannelli, che servono per le entrate e le uscite.

In danza lo spazio scenico si occupa secondo tre dimensioni: la profondità (dal proscenio al fondo), la larghezza (da un lato all’altro) e i livelli (basso, medio, alto). Il compito del coreografo è proprio inscrivervi le forme e gli spostamenti dei ballerini. Ragionare su tre assi anziché in piano evita la trappola del «tutti allineati nello stesso punto» e apre possibilità di lettura molto più ricche.

Il vocabolario anglosassone si sovrappone in parte a tali riferimenti, ed è utile conoscerlo. Upstage indica il fondo del palco, il punto più lontano dal pubblico; downstage la parte anteriore, la più vicina; stage left e stage right la sinistra e la destra dal punto di vista dell’interprete rivolto al pubblico (quindi il lato house left, a sinistra per la platea, corrisponde a stage right). L’origine di up/down risale agli antichi palchi inclinati («raked»), dove il fondo era fisicamente più alto: andare verso il pubblico significava scendere, allontanarsene significava salire. Attenzione però: proscenio/fondo e downstage/upstage indicano lo stesso asse avanti-dietro, ma sono equivalenze d’uso, non traduzioni perfettamente intercambiabili, perché le parole hanno origini diverse.

A partire da tali assi, il palco viene spesso suddiviso in nove zone, incrociando le direzioni avanti/dietro (downstage, center, upstage) e quelle laterali (left, center, right): downstage left, downstage center, downstage right, center left, center, center right, upstage left, upstage center, upstage right. Il centro (center stage) è considerato lo spazio scenico più forte e il punto focale naturale del palco. La griglia 3×3 è una suddivisione pratica molto diffusa, che viene soprattutto da risorse didattiche teatrali, più che una norma universale: certe fonti si limitano a pochi riferimenti principali.

Le formazioni di base di un coreografo comprendono linee orizzontali, linee diagonali, triangoli, cerchi e «clumps» (gruppi o grappoli). Non hanno tutte lo stesso effetto: le diagonali che arretrano verso il fondo risultano più dinamiche e più fluide delle linee dritte, e danno al palco più profondità e più strati. La tendenza contemporanea va proprio in tale direzione: ci si allontana dalle semplici linee dritte a favore di formazioni più varie e più «eque», che permettono di vedere un numero maggiore di ballerini.

La leggibilità dipende direttamente dalle linee di visuale. Sfalsare le file (stagger) permette ai ballerini in fondo di essere visti negli spazi tra quelli davanti. Un buon posizionamento valorizza anche ballerini forti in diversi punti del palco, non solo in prima fila. Il posto di ciascuno, poi, non dipende solo dal livello tecnico: contano anche l’altezza, la capacità di memorizzare e la presenza scenica. Il ballerino in downstage center ha bisogno di buona memoria, della sicurezza necessaria per guidare il gruppo e di un grande senso dello spettacolo; quello in upstage center è spesso il più alto, perché così rimane visibile in fondo.

Il posizionamento collettivo si lavora anche con i procedimenti compositivi. L’unisono, in cui tutti i ballerini fanno la stessa cosa nello stesso momento, dà forza e fa da riferimento. Il canone riprende la stessa frase di movimento con altri ballerini a intervalli regolari, per un effetto di eco o di risonanza. Lo sfasamento gioca su un intervallo irregolare o casuale, e la cascata concatena una successione di entrate o di azioni. Sono strumenti che strutturano l’occupazione dello spazio quanto il movimento.

Un riferimento semplice per la spaziatura: ogni ballerino deve poter stare nel proprio «hula hoop» immaginario, senza che i cerchi si tocchino. Abbastanza distanza per evitare l’affollamento, ma senza perdere la coesione d’insieme. Per trasferire i riferimenti dalla sala prove al palco, conviene segnare le posizioni sul pavimento con segni o nastro colorato, in prova come in scena. E inserire nella coreografia solo posizioni e spaziature già padroneggiate durante le prove.

Con i ballerini molto piccoli (sotto i 7 anni), è meglio limitare la coreografia a due o tre formazioni al massimo ed evitare le diagonali, che richiedono più consapevolezza dello spazio e più coordinazione. È un caso in cui la semplicità del posizionamento serve direttamente la riuscita dello spettacolo. Per visualizzare e provare le formazioni in anticipo, strumenti come Stancz permettono di posizionare i ballerini e di vedere in anteprima una formazione in 2D, in 3D e dalla platea.

Quando il posizionamento prevede acrobazie di gruppo, come nel cheerleading, i ruoli sono ben distinti. Le basi assicurano sostegno e stabilità: sollevano ed equilibrano il flyer. Il flyer (top) è la persona in cima, che esegue salti, avvitamenti e figure aeree. Lo spotter, invece, è responsabile della sicurezza, pronto a parare e ad afferrare. Le sue regole di posizionamento sono rigide: membro della squadra preparato alle tecniche di assistenza, sta sull’area di gara, di lato o dietro la figura, può toccare la base della figura, non tiene nulla che gli impedirebbe di parare, non mette il busto sotto la figura e non è un sostegno principale del top; in caso di caduta, protegge prima di tutto capo, nuca, schiena e spalle. I principi coincidono tra le varie fonti, ma i requisiti precisi variano secondo la federazione e il livello di competizione: per le indicazioni ufficiali, fai riferimento al regolamento della federazione interessata.