ท่าเต้น hip hop: ทีม จังหวะ และการแปรแถว

musicality คือวิธีที่นักเต้นได้ยิน ตีความ และเต้นไปกับเพลง เป็นตัวกำหนดอารมณ์ของท่าและให้เสียงที่ต้องเต้นตาม เครื่องมือพื้นฐานที่ใช้แปลงเพลงเป็นโครงสร้างคือ 8-count (การนับ 8) ซึ่งแบ่งวลีดนตรีออกเป็นแปดจังหวะ และเป็นกรอบสำหรับวางท่า เมื่อครบ 8 จังหวะ ก็เริ่ม 8 ใหม่ วลีต่างๆ จึงต่อกันเหมือนย่อหน้าที่เล่าเรื่องไปบนเพลง จุดเริ่มของ 8-count หาได้จาก downbeat ซึ่งเป็นจังหวะที่หนักที่สุดของห้องเพลง

ภายใน 8-count บางจังหวะจะถูกเน้น เช่น วางท่าที่คมชัด (sharp) บนจังหวะ 1 และ 5 แล้วต่อด้วยการเปลี่ยนท่าที่ลื่นไหลบนจังหวะ 3 และ 7 ถ้าต้องการละเอียดขึ้น ก็แบ่งย่อยการนับได้ ใส่ “and” (“one and two and…”) จะได้ 16 จังหวะ และใส่ “e and” จะแตกเป็น 32 จังหวะสำหรับเพลงเร็ว ซึ่งช่วยวางท่าที่อยู่ชิดกันมาก

การเน้นเสียงยังหมายถึงการเลือกว่าจะเต้นตามเสียงชั้นไหน เสียงเบส (เสียงต่ำที่สุด) เหมาะกับท่าที่หนักแน่นติดพื้น เช่น stomp เสียงสแนร์ (snare) ที่แห้งและสั้นแบบ staccato (“ก๊ะ”) เหมาะกับท่าที่ไวและคม ไฮแฮต (hi-hat, “ซ่ ซ่”) บอกจังหวะย่อย ส่วนเสียงซินธ์ซึ่งเป็นเสียงไฟฟ้า เหมาะกับท่าแบบ “gooey” ที่มีแรงต้านและเป็นคลื่น หลักง่ายๆ คือ ท่าที่เร็วและคมเข้ากับสแนร์ ส่วนท่าที่โค้งมนและลื่นไหลเข้ากับไลน์เบสที่ยาวกว่า พูดอีกอย่างคือ ร่างกายต้องเข้าใจเสียงและเคลื่อนไหวให้เหมือนเสียง

ก่อนจะถึงการแปรแถว คุณภาพของการเต้นคือสิ่งที่ทำให้ท่าเต้นทั้งชุดอยู่ได้ พื้นฐานคือ grooving คือการพยักหน้าและโยกตัวตามธรรมชาติ ที่นักเต้นนำไปต่อยอดเป็นท่าเต้นในภายหลัง เป็น “flow” ที่เชื่อมทุกสเต็ปและทุกจังหวะเน้น บนพื้นฐานนี้จึงมี hitting (hit) คือการเกร็งหรืองอกล้ามเนื้อเพื่อเน้นเสียงหนัก ด้วยพลังที่พอดี ไม่อ่อนเกินไปและไม่ “full out เกินไป” คล้ายภาพแสดงคลื่นเสียง (audio visualizer) ที่ขยับตามเสียง

มีสองแนวคิดที่ช่วยให้ท่าหลากหลายขึ้น milking คือการยืดท่าให้เลยจุดหยุดตามธรรมชาติของมัน โดย “ดึง” การเปลี่ยนท่าให้ยาวออก (เล่นกับเส้นทางและความเร่ง) ส่วน texture คือคุณภาพของการเคลื่อนไหวที่สะท้อนอารมณ์ของเพลง เช่น staccato ลื่นไหล (flowy) หรือหยาบกระด้าง (gruff) ได้มาจากการผสม hit, milking และการคุมความเร็ว

เพื่อให้ซ้อมได้ผล ใช้ marking คือการเต้นแบบมาร์กท่า ใช้แรงน้อยลง คิดในหัวมากกว่าใช้ร่างกาย เพื่อโฟกัสที่เพลง จังหวะเวลา และตำแหน่ง ซึ่งมีค่ามากเมื่อเต้นเป็นกลุ่มที่ความพร้อมเพรียงสำคัญที่สุด หมายเหตุเรื่องศัพท์: คำเหล่านี้ (hit, groove, milking, marking) มาจากวงการเต้นที่ใช้ภาษาอังกฤษ และไม่ได้มีคำภาษาฝรั่งเศสที่เป็นมาตรฐานทุกคำ ในฝรั่งเศสจึงมักใช้คำอังกฤษตามเดิม

เมื่อเต้นเป็นกลุ่ม พลังแรกคือแบบพร้อมกัน (unison) นักเต้นทำวลีท่าเต้นเดียวกันในเวลาเดียวกัน อาจต่างกันบ้างที่การหันตัว ทิศทาง ขนาดกลุ่ม หรือโซนบนเวที เพื่อทลายความรู้สึกว่าเป็นก้อนเดียว แบบแคนนอน (canon) คือการร้องไล่กัน (round) ของดนตรีในภาษาการเต้น วลีเดียวกันถูกทำโดยนักเต้นสองคน (หรือสองกลุ่ม) ขึ้นไปที่เริ่มไม่พร้อมกัน ซ้อนเหลื่อมกันหรือต่อกันทีละคน และทำได้ทั้งแบบเคร่งครัดหรือแบบหลวม (loose) ส่วน mirroring (แบบกระจก) ที่นักเต้นตั้งแต่สองคนขึ้นไปทำท่าสะท้อนกันอย่างสมมาตร ช่วยให้น่าดูขึ้นและเน้นความแม่นยำกับความเป็นหนึ่งเดียว

ripple ซึ่งเรียกอีกอย่างว่า cascade หรือ wave คือเอฟเฟกต์คลื่นที่ไล่ต่อกัน นักเต้นคนหนึ่งเริ่มท่า แล้วคนถัดไปทำตามต่อกันอย่างรวดเร็ว นักออกแบบท่าเต้นเลือกทิศของคลื่นได้ (ซ้ายไปขวา หน้าไปหลัง หรือจากกลางออกด้านนอก) และวางให้ตรงกับบีต ripple ยังใช้เปลี่ยนแถวและใช้เน้นจังหวะหนักได้ด้วย ตรงข้ามกับการเคลื่อนไหวคือ hold (การค้างท่า) คือช่วงที่นักเต้นหยุดนิ่ง ถ้าวางถูกที่ จะช่วยเน้นบีต สร้างความต่างทางสายตาและแรงกระแทก และทำให้ musicality เด่นขึ้น

ที่เหลือคือการจัดการพลังตลอดทั้งชุด pacing คือการสลับท่าที่ใช้พลังสูงกับช่วงที่ช้าลง ปฏิสัมพันธ์ระหว่างนักเต้น (battle, call-and-response, ความสัมพันธ์) สร้างความต่อเนื่องของเรื่องราว ส่วนสายตาและสีหน้าเชื่อมผู้แสดงเข้ากับผู้ชม ข้อควรรู้: ฮิปฮอปที่ออกแบบท่าไว้ (สาย commercial หรือแบบทีม) ตั้งอยู่บนวลีท่าที่เขียนไว้และพร้อมเพรียงกัน ซึ่งต่างจาก freestyle ที่อาศัยการด้นสด ทั้งสองอย่างใช้แทนกันไม่ได้

ท่าเต้นกลุ่มจะดีขึ้นเมื่อมีการแปรแถวหลายแบบ ทั้งแถวหน้ากระดาน วงกลม สามเหลี่ยม และแนวทแยง เพื่อสร้างความลึก ความสมมาตร และความไม่สมมาตร แถวที่สมมาตรให้ความรู้สึกเรียบร้อยและสมดุล ส่วนแถวที่ไม่สมมาตรสร้างความตึงที่น่าสนใจ การใช้ทุกมุมของเวทีทำให้การแสดงดูใหญ่และทรงพลังขึ้น มีสองรูปที่เห็นบ่อย คือรูปตัว V ที่นิยมใช้ให้นักเต้นตรงกลางเด่น (ผู้นำอยู่หน้า คนอื่นกางออกด้านหลัง) และรูปสามเหลี่ยม ที่ให้จุดโฟกัสชัดเจนไปยังตรงกลาง เหมาะกับท่าเปิดหรือช่วงสำคัญ

การคิดเรื่องเวทีก็คือการคิดเรื่องโซนของเวที ตรงกลางคือจุดโฟกัสสำหรับช่วงสำคัญและโซโล ท้ายเวที (upstage) สร้างความลึกและใช้สำหรับการเปลี่ยนแถว หน้าเวที (downstage) ซึ่งใกล้ผู้ชมที่สุด ช่วยให้เห็นความใกล้ชิดและสีหน้า ด้านซ้ายขวา ให้คิดจากมุมของนักเต้นที่หันหน้าหาผู้ชม ซ้ายมือของนักเต้นคือ stage left (côté cour ในภาษาฝรั่งเศส) และขวามือของนักเต้นคือ stage right (côté jardin) ศัพท์ฝรั่งเศสนี้สืบทอดจากโรงละครราชสำนัก ซึ่งตัวโรงด้านหนึ่งหันไปทางสวน (โดยเฉพาะสวนตุยเลอรีในกรุงปารีส) และอีกด้านหันไปทางลาน นอกจากนี้ยังเพิ่มระดับของการเคลื่อนไหวสามระดับ (ต่ำ กลาง สูง) ทั้งยืน คุกเข่า นั่งยอง หรือกระโดด เพื่อสร้างภาพเป็นชั้นๆ

สิ่งที่ทำให้ท่าเต้นดูประณีตคือการเปลี่ยนท่าและเปลี่ยนแถวที่ลื่นไหลจนแทบมองไม่เห็นรอยต่อ ใช้สเต็ปเชื่อม และซ้อมการเปลี่ยนแถวจนดูเป็นธรรมชาติ ในการแข่งขันฮิปฮอป การเปลี่ยนแถวยังถูกคาดหวังให้ “สร้างสรรค์และคาดเดาไม่ได้” ด้วย เพื่อเตรียมงานวางตำแหน่งนี้ เครื่องมืออย่าง Stancz ช่วยให้วางและดูการแปรแถวในมุมมอง 2D มุมมอง 3D และมุมมองผู้ชม ก่อนเข้าห้องซ้อม