Cómo crear coreografías de baile: guía paso a paso

Todo parte de la canción. Elígela porque te emociona y te dan ganas de bailar, no porque esté de moda o porque sea la primera que suena; si además ya la conoces bien, tienes media tarea hecha. Dance Emotion, una escuela de danza de Barcelona, aconseja empezar con una canción de tempo medio, con percusión o bajo claros, y deja para más adelante los temas muy rápidos, con muchas capas o cambios bruscos. Antes de moverte, escúchala varias veces seguidas sin bailar para localizar las frases musicales, los momentos fuertes y los silencios; según la misma escuela, para aprender a contar basta con una canción de ritmo claro y “la disposición de escuchar varias veces sin intentar bailarlo todo desde el primer minuto”. Es un paso que apetece saltarse y, sin embargo, facilita todo lo demás.

El tempo se mide en pulsaciones por minuto (ppm, o BPM por el inglés beats per minute): según la Wikipedia en español, es la forma habitual de indicarlo en la música occidental actual, mientras que antes del metrónomo se empleaban palabras como andante o allegro. La misma enciclopedia sitúa, por ejemplo, el hip hop entre 80 y 90 pulsaciones por minuto y el house entre 124 y 130. El cálculo sirve para todo lo que viene después: a 120 BPM, un tiempo dura medio segundo y un bloque de 8 tiempos, 4 segundos; una canción de 3 minutos tiene entonces 360 tiempos, es decir, 45 bloques de 8. Cuanto más rápido es el tempo, menos margen tiene cada movimiento y más cortos deben ser los desplazamientos.

Después, corta la canción a la duración que necesitas con un editor de audio. Corta al principio de una frase musical, en un “1”, nunca a mitad de un bloque, y busca un final limpio, en un tiempo fuerte, antes que un fundido que se va apagando mientras el grupo aguanta la pose. Por último, guarda el archivo exacto que has cortado y pásale ese mismo a todo el mundo: si la versión cambia por el camino, los conteos se descuadran y el grupo tiene que volver a aprender sus referencias.

En danza, la música se cuenta en bloques de ocho tiempos, “1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8”, y vuelta a empezar: por eso en clase se habla de “ochos”. Dance Emotion lo describe como una forma muy práctica y frecuente de reunir dos grupos de cuatro tiempos para aprender y recordar una frase, pero matiza que no es una ley: hay coreografías que se explican de seis en seis, de cuatro en cuatro o en frases de dieciséis. “Coreografías creativas”, un material educativo del INTEF (Ministerio de Educación de España), lo resume así: normalmente se cuentan cuatro tiempos por compás, de modo que 8 tiempos equivalen a dos compases. En el compás de cuatro tiempos, según la Wikipedia en español, el primero es el tiempo fuerte y los demás son débiles, aunque el tercero suele llevar un leve acento. El “1” es el tiempo en el que la frase vuelve a empezar, a menudo marcado por la entrada de una voz o de un instrumento, o por un cambio de base.

Los contratiempos se cuentan con “y”: “1 y 2 y 3…”. Si estás empezando, ajusta cada movimiento a un tiempo o a un contratiempo y asocia un número a cada gesto: Dance Emotion propone asignar una acción al conteo, porque conectar cada número con un peso, un gesto o una dirección convierte la cuenta en una herramienta corporal, y señala que muchas coreografías se enseñan en ochos porque así es más fácil coordinar al grupo. Para arrancar la música o retomar desde un punto, el “5, 6, 7, 8” anuncia que empieza el bloque siguiente, y todo el mundo sale en el 1. Al principio, cuenta en voz alta mientras bailas: según la misma escuela, decir la cuenta une oído, voz y movimiento, sobre todo cuando una transición todavía no está clara.

Anota los conteos desde el primer día. Lo más sencillo es una tabla: una fila por bloque de 8, numerada (primer ocho, segundo ocho…), con la parte de la canción al lado (intro, estrofa, estribillo) y los movimientos en pocas palabras. Dance Emotion pone como ejemplo apuntes tan simples como “giro en 7–8” y defiende llevar un registro de lo que practicas, aunque sea una nota breve sobre lo que ya recuerdas o lo que tienes que preguntar, porque “ese registro evita que cada ensayo empiece desde cero”. Sin notas, una coreografía se reinventa en cada ensayo.

La mayoría de las canciones alternan estrofas y estribillos. La Wikipedia en español define el estribillo como un pequeño grupo de versos que se repiten, por lo común después de cada estrofa; en una canción, eso da estrofa 1, estribillo, estrofa 2, estribillo… Alrededor suele haber una introducción, a veces un puente que rompe la repetición antes del último estribillo, y un final. Analiza esa estructura antes de coreografiar: según Dance Emotion, una repetición o un cambio de letra, de base o de energía suelen anunciar un ocho nuevo o una frase nueva. Marca esas partes en tu tabla de conteos: cuántos ochos para la intro, para cada estrofa, para el estribillo. Es el esqueleto de tu coreografía.

Después, haz que la danza siga esa estructura. Un estribillo que vuelve pide la misma frase bailada: el público la reconoce y los bailarines la aprenden una sola vez para bailarla tres. Las estrofas dejan sitio para variaciones, para un pasaje en grupo reducido o para un cambio de formación; el puente es un buen momento para una sorpresa o un contraste. El programa de danza del GCSE inglés, que publica el organismo examinador AQA, pone nombre a estas formas: binaria (AB), ternaria (ABA), rondó (una parte A que vuelve entre partes distintas) o narrativa (la danza cuenta una historia).

Cuida el principio y el final, los dos momentos que el público recuerda. “Coreografías creativas”, el material del INTEF, advierte que la coreografía empieza desde que el grupo pisa el espacio y termina cuando sale de él, y propone practicar varias veces la entrada, la colocación inicial y la salida. Para el principio, decide dónde arranca el grupo (ya en escena o entrando desde bastidores), quién entra (todo el grupo, pequeños grupos, uno tras otro) y cómo (con las mismas acciones o con acciones distintas, a la misma velocidad o no). Para el final, lo mismo: quietos en escena, agrupados, en el suelo o saliendo uno tras otro. Una pose final bien sostenida luce mucho más que una salida desdibujada.

Una frase de movimiento es una serie de gestos que forma una unidad, a menudo de uno o dos ochos. Empieza por un motivo corto que condense la idea de la danza: un gesto de brazos, un paso, un apoyo particular. El programa del GCSE de AQA abre su lista de recursos coreográficos (choreographic devices) con “motif and development”: un motivo y después sus desarrollos. Para encontrar tus movimientos, parte de la música (un acento pide un gesto seco; un sonido largo y continuo, un movimiento ligado), de una palabra, de una imagen o de un gesto de la vida diaria que transformas: en “Coreografías creativas”, el INTEF propone a los grupos elegir una emoción o una pequeña situación cotidiana e inventar 8 movimientos, uno para cada tiempo de música.

Después, desarrolla el motivo con recursos coreográficos. El diseño curricular de danza de la provincia de Buenos Aires (Argentina) habla de procedimientos coreográficos y enumera como formas básicas de composición el unísono, el “solo y grupo”, el canon, la sucesión y la pregunta y respuesta; en otro apartado menciona también el contraste. La guía “Dance in the City” del British Council, el Teatro Real y el Royal Ballet trabaja además la repetición, la acumulación y el efecto de espejo. En la práctica, la repetición retoma un movimiento varias veces; el contraste enfrenta grande y pequeño, rápido y lento; la acumulación va sumando movimientos o frases; la sucesión pasa una acción de un bailarín a otro, en cadena; el unísono consiste en hacer todos lo mismo al mismo tiempo, y el canon, en retomar la misma frase con salidas escalonadas. El INTEF propone además repetir la misma secuencia de 8 tiempos muy rápido, muy lento, exagerando los pasos, muy suave u ocupando mucho o poco espacio: así, un mismo motivo da varias frases sin inventar un solo paso nuevo.

Quédate con frases que tu grupo pueda bailar. Una coreografía sencilla repite más de lo que inventa: dos o tres frases bien elegidas, retomadas y variadas, suelen bastar para un primer número. Baila tú cada frase con la música antes de enseñarla, cuéntala en voz alta y escríbela en tu tabla, bloque a bloque. Si un pasaje no encaja en los conteos, simplifícalo enseguida: cambiarlo cuesta mucho más cuando todo el grupo ya lo ha aprendido.

Una vez escritas las frases, decide dónde las baila cada uno. Una formación es la posición de todos los bailarines en un momento dado: una línea, dos líneas escalonadas, una V, una diagonal, un círculo, pequeños grupos. Cambia de formación cuando la música cambia de parte, no al azar: una estrofa nueva, la llegada del estribillo o el puente son momentos naturales. La guía para crear formaciones de danza detalla las formas habituales y cómo elegirlas según el número de bailarines.

La colocación también ayuda a que la coreografía se lea con claridad. El programa de AQA incluye entre los recursos coreográficos la “manipulation of number” (jugar con el número de bailarines), y el diseño curricular bonaerense, el “solo y grupo” entre las formas básicas de composición: un estribillo bailado por todo el grupo al unísono tiene mucha más fuerza después de una estrofa bailada por tres. Coloca a los bailarines más seguros donde se va la mirada del público, en el centro y delante, y escalona las filas para que los de la segunda línea se vean por los huecos de la primera.

Cada cambio de formación es un recorrido que se cuenta, como un paso. Dale un número exacto de tiempos, por ejemplo un ocho, y un camino a cada bailarín, y evita que dos recorridos pasen por el mismo sitio al mismo tiempo. Los desplazamientos más simples mantienen el orden de los bailarines; los que lo mezclan piden más ensayo. Anota en tu plano, para cada formación, el conteo en el que todos tienen que estar ya en su sitio: esa referencia es la que permite al grupo llegar a la vez.

Enseña la coreografía por partes. Para el repaso individual, Dance Emotion aconseja dividir el material en bloques que se puedan reconocer (un ocho, un cambio de dirección o una frase musical), empezar cada uno desde la posición anterior y practicar la llegada y la salida antes de unirlo todo. Trabaja el primer bloque hasta que los movimientos salgan solos, pasa al siguiente y después encadena los dos. Muestra cada bloque primero despacio y sin música, contando, y luego con la música; la misma escuela propone marcar sin música para revisar las direcciones antes de usar la canción. Si enseñas de cara al grupo, haz los movimientos en espejo y avísales, o parte de los bailarines saldrá hacia el lado contrario. Para que cada uno repase su sitio en casa, conviene más compartir la coreografía con tu compañía que copiar los planos a mano.

Deja que los bailarines “marquen”, es decir, que repitan los movimientos en pequeño, sin saltar ni forzar, mientras aprenden. Un estudio de la Universidad de California en Santa Cruz, publicado en la revista Psychological Science y reseñado por Dance Informa, hizo aprender dos secuencias a 38 estudiantes avanzados de ballet, una ensayada a velocidad de actuación y la otra marcando: los jueces puntuaron más alto la que se había marcado. Los autores ven en ello una reducción de la carga mental, no solo un ahorro de energía. Reserva la intensidad completa para los pasajes que ya están seguros.

Antes del espectáculo, haz una pasada completa: la coreografía entera, de principio a fin, sin parar. El material del INTEF describe el ensayo general como la última prueba antes de la actuación: en él no se ensayan solo los pasos, sino también la entrada, la colocación inicial, la salida y la actitud; no se para aunque haya errores, y sirve para ver los últimos ajustes de espacio, coordinación y ritmo. Anota lo que falla y después limpia: retoma los pasajes en los que el grupo se descoordina, conteo a conteo, comprobando que todos tienen el mismo ángulo de brazo y la misma mirada en el mismo tiempo. Termina en el escenario real, para reajustar las distancias.

Stancz es una aplicación de coreografía: colocas a los bailarines sobre un escenario a escala, encadenas formaciones y las transiciones se animan con la música. Ofrece una vista 2D desde arriba, una vista 3D y una vista desde la sala, la Vista del público. Funciona en el navegador de un ordenador o computadora (PC o Mac), sin instalación, y en apps para iPhone, iPad y Android, con la misma cuenta en todas partes. La versión gratuita permite hasta 3 coreografías, con 4 formaciones por coreografía, y existe una suscripción de pago. Incluye 19 preajustes, formas ya hechas que se adaptan al número de bailarines, y admite hasta 500 bailarines por coreografía.

Dentro del método de esta guía, Stancz entra en juego en tres etapas: la música, la colocación y la transmisión. Importas tu canción en MP3 o WAV y su forma de onda se convierte en el eje de tiempo. Con “Marcar el tempo (BPM)” mides el tempo dando toques al ritmo de la música, y “Ajustar las formaciones al tempo” alinea las duraciones con los tiempos. Creas una formación por cada parte de la canción, le cambias el nombre (“Estrofa 1”, “Estribillo”) y arrastras su borde para darle su duración; durante la reproducción, los bailarines se deslizan de una formación a la siguiente, y un recorrido demasiado largo o dos bailarines que se cruzan se ven enseguida. Para transmitirla, compartes la coreografía en modo lectura, también con el plan gratuito, y “Resáltame” destaca el punto de cada bailarín.

Lo que Stancz no hace, sin rodeos: no escribe los pasos por ti. En la aplicación no hay ninguna inteligencia artificial que invente coreografías; los movimientos, los conteos y las frases siguen en tu tabla, en tu cuaderno y en tu cuerpo, y Stancz solo se ocupa del espacio y del tiempo, es decir, de quién está dónde y en qué momento. No exporta a PDF, no permite editar entre varias personas a la vez y no gestiona escuelas (inscripciones, horarios, pagos).