ละครเวที: จัดตำแหน่งและการเคลื่อนที่บนเวที

บล็อกกิ้ง (blocking) หรือการวางตำแหน่ง (mise en place) คือการจัดตำแหน่งและการเคลื่อนที่ของนักแสดงบนเวทีอย่างแม่นยำ ผู้กำกับเป็นคนกำหนดระหว่างการซ้อม โดยมีเป้าหมายสองข้อเสมอ คือทำให้ผู้ชมมีแนวสายตา (sightlines) ที่ดี และให้เข้ากับแสงไฟ คำนี้มาจากวิธีทำงานในคริสต์ศตวรรษที่ 19 ที่ผู้กำกับอย่าง W. S. Gilbert จัดฉากบนโมเดลจำลอง โดยขยับบล็อก (block) หนึ่งชิ้นแทนนักแสดงแต่ละคน และพบการใช้คำนี้ในภาษาอังกฤษราวปี พ.ศ. 2504 (ค.ศ. 1961)

เมื่อบล็อกกิ้งลงตัวแล้ว ก็ต้องเก็บรักษาไว้ด้วย โดยทั่วไปผู้กำกับเวที (stage manager) เป็นคนจดตำแหน่งและการเคลื่อนที่ และดูแลให้การวางตำแหน่งเหมือนเดิมทุกรอบการแสดง ซึ่งยิ่งสำคัญเพราะผู้กำกับไม่ได้อยู่ในทุกรอบ บันทึกที่เป็นลายลักษณ์อักษรนี้คือสิ่งที่ทำให้การแสดงคมชัดเหมือนเดิมทุกคืน

การวางตำแหน่งไม่เคยเป็นกลาง ตัวละครที่อยู่หน้าเวทีดูเปิดเผยตัวมากกว่า นักแสดงที่อยู่ท้ายเวทีดูห่างเหิน โดดเดี่ยว หรือเปราะบาง และตรงกลางดึงความสนใจได้เองโดยธรรมชาติ การวางตำแหน่งจึงมีผลต่อการรับรู้ความสัมพันธ์ระหว่างตัวละคร และต่อการไหลของพลังบนเวที เป็นเครื่องมือในการเล่าเรื่องก่อนจะเป็นเรื่องของการจัดการ

พื้นที่บนเวทีมีจุดอ้างอิงสี่จุด เรียกว่า “ทิศหลัก” ของเวที ได้แก่ หน้าเวที (face) ท้ายเวที (lointain) ฝั่ง cour และฝั่ง jardin หน้าเวทีคือส่วนของเวทีที่ใกล้ผู้ชมที่สุด ท้ายเวทีคือด้านตรงข้าม เป็นส่วนที่ไกลที่สุด มีผนังด้านหลังเป็นขอบ เมื่อมองจากผู้ชม côté cour อยู่ฝั่งขวา และ côté jardin อยู่ฝั่งซ้าย ศัพท์นี้ย้อนไปถึงโรงละคร Salle des Machines ในพระราชวังตุยเลอรี ในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศส คำที่อ้างถึงที่นั่งของราชวงศ์หายไป และถูกแทนด้วยจุดอ้างอิง “cour” (ลาน) และ “jardin” (สวน)

ระวังเวลาสลับไปใช้ภาษาอังกฤษ ซึ่งพบได้ทั่วไปในละครเพลง stage left และ stage right คือซ้ายและขวาของนักแสดงที่หันหน้าหาผู้ชม ส่วน house left และ house right ใช้มุมของผู้ชม ซึ่งกลับกัน upstage คือส่วนหลังของเวที (ไกลผู้ชม ทางท้ายเวที) และ downstage คือส่วนหน้า (ใกล้ผู้ชม คือหน้าเวที) ภาษาฝรั่งเศสแก้ความกำกวมนี้ด้วย cour และ jardin ให้บอกมุมมองทุกครั้ง (ของนักแสดงหรือของผู้ชม) เพื่อไม่ให้จดผิด เพราะ cour คือซ้ายมือของนักแสดง แต่เป็นฝั่งขวาของผู้ชม

เพื่อบอกตำแหน่งและการเคลื่อนที่อย่างละเอียด เวทีมักถูกแบ่งเป็นเก้าโซน เป็นตาราง 3×3 ได้แก่ up right, up center, up left / center right, center, center left / down right, down center, down left (ซ้ายขวานับจากนักแสดงที่หันหน้าหาผู้ชม) ตรงกลางคือตำแหน่งที่มีพลังที่สุดและเห็นชัดที่สุด downstage เด่นกว่าและดึงความสนใจได้มากกว่า ส่วน upstage เด่นน้อยกว่า หลักทั่วไปคือ เดินมาทางหน้าเวทีเพิ่มความใกล้ชิดและความเข้มข้น ถอยไปทางท้ายเวทีให้ความรู้สึกห่างเหินหรือมีอำนาจ ทั้งหมดนี้เป็นธรรมเนียมการจัดองค์ประกอบ ไม่ใช่กฎตายตัว ตัวละครที่อยู่โดดเดี่ยวท้ายเวทีก็ครองฉากได้ ผู้กำกับที่ดีพลิกหลักเหล่านี้อย่างรู้ตัว

กฎพื้นฐาน: ทุกการเคลื่อนที่ต้องมีแรงจูงใจ คือมีเหตุผลทางการละครรองรับ แนวทแยงสร้างความเคลื่อนไหวทางสายตาและให้ความลึกกับพื้นที่ ในฉากเผชิญหน้า การดึงนักแสดงเข้ามาใกล้กันตรงกลางช่วยเพิ่มความตึงเครียดของฉาก

การหันตัวสำคัญพอๆ กับตำแหน่งบนพื้น ใน open position นักแสดงหันหน้าหาผู้ชมเต็มตัว ใช้กับบทพูดสำคัญ ปฏิกิริยาสำคัญ การเปิดเผยความจริง และทุกอย่างที่ต้องการความชัดเจนทางอารมณ์ ใน closed position นักแสดงหันหลังหรือถูกบัง สื่อถึงความลับ การปฏิเสธ ความอับอาย หรือการข่มขู่ และแม้ในฉากที่สองคนหันหน้าเข้าหากัน “cheating out” คือการหมุนตัวสามในสี่ไปทางผู้ชม เพื่อให้ผู้ชมเห็นหน้ามากขึ้นและได้ยินบทพูดชัดขึ้น

เมื่อนักแสดงสองคนเดินสวนกัน การสวนกันก็ต้องจัดเช่นกัน เหมือนการข้ามเวทีทุกครั้ง ต้องดูเป็นธรรมชาติและมาจากแรงจูงใจของตัวละคร ไม่ใช่แค่อยากขยับ การปรับเล็กๆ เหล่านี้คือสิ่งที่แยกเวทีที่อ่านง่ายออกจากเวทีที่สับสน

สำหรับละครเพลง มีการตัดสินใจสำคัญที่ต้องทำตั้งแต่แรก คือเพลงไหนจะแค่วางตำแหน่งและจัดฉาก (block/stage) และเพลงไหนจะออกแบบท่าเต้น ช่วงเปลี่ยนจากบทพูดเข้าสู่เพลงก็ควรจัดอย่างพิถีพิถัน เพื่อรักษาความต่อเนื่องและพลัง การออกแบบท่าเต้นในละครเพลงเป็นงานร่วมกัน ผู้กำกับ ผู้กำกับดนตรี และนักออกแบบท่าเต้นทำงานไปด้วยกัน ผู้กำกับเป็นผู้ตัดสินภาพรวม ส่วนนักออกแบบท่าเต้นดูแลให้การเคลื่อนไหวบนเวทีเข้ากับดนตรี เครื่องแต่งกาย ฉาก และแสงไฟ

ในการแสดงกลุ่ม การประสานกันขึ้นอยู่กับจังหวะเวลาทั้งหมด นักแสดงทุกคนต้องอยู่ในจังหวะเดียวกับกลุ่ม ลำดับบทบาทที่นักแสดงกลุ่มหนึ่งคนรับผิดชอบเรียกว่า “track” และแต่ละคนต้องรู้ track ของตัวเองอย่างแม่นยำ ทั้งบทพูด บล็อกกิ้ง ท่าเต้น อุปกรณ์ประกอบฉาก และการเคลื่อนที่ที่ข้างเวที คอรัส อย่างที่ Joe Deer ชี้ไว้ คือผู้ที่ “ทำให้โลกของการแสดงมีผู้คน” บอกผู้ชมว่าเรื่องเกิดที่ไหน เสริมช่วงสำคัญทางการละคร กดดันตัวละครหลัก และสร้างภาพที่ตระการตา คอรัสอาจให้แต่ละคนมีตัวตน (นักแสดงคอรัสแต่ละคนได้ชื่อ ความสัมพันธ์ อาชีพ และเป้าหมายใหญ่ของตัวละคร) หรือกลับกัน ทำให้เป็น “ตัวละครเดียวที่มีหลายร่าง” เหมือน Hot Box Girls ใน Guys and Dolls ของ Jerry Zaks เมื่อต้องกำกับกลุ่มใหญ่ คำสั่งที่พูดเป็นการกระทำ (“Challenge” “Bolster” “Tempt”) ทำให้นักแสดงเข้าถึงได้ทันที และการจัดองค์ประกอบของร่างกายใช้นำสายตาผู้ชม Joe Deer ยกตัวอย่างฉากระเบียงใน Evita ที่การจัดวางร่างกายบอกว่าควรมองตรงไหน และ Cabaret ของ Hal Prince ที่การเปลี่ยนฝ่ายของชาวเยอรมันถูกเล่าผ่านการย้ายกลุ่มจากฝั่งหนึ่งไปอีกฝั่งหนึ่งของเวที

ด้านการเขียนท่าเต้น มีสามแนวคิดที่เจอบ่อย แบบพร้อมกัน (unison) คือนักเต้นหลายคนทำท่าเดียวกันในเวลาเดียวกัน (หรือท่าที่คล้ายกัน เสริมกัน หรือแม้แต่ตัดกันในเวลาเดียวกัน) โมทีฟ (motif) คือท่าเดียวหรือวลีสั้นๆ ที่แสดงสไตล์และเจตนาของการเต้น นำไปพัฒนาต่อได้ด้วยการเปลี่ยนระดับ ทิศทาง ขนาด หรือระนาบ การเปลี่ยนจุดโฟกัส ความเร็ว หรือพลวัต หรือด้วยการถอยหลัง (retrograde คือกลับลำดับ) แบบแคนนอน (canon) คือกลุ่มทำวลีเดียวกันทีละคน คล้ายเพลงร้องไล่กันในดนตรี มีทั้งแบบธรรมดา (ต่อกันทีละคน) แบบเริ่มพร้อมกัน (โมทีฟเดียวกันแต่เริ่มจากคนละจุดของวลี) แบบสะสม (แต่ละคนเข้ามาร่วมกับผู้นำในช่วงต่างๆ แล้วจบพร้อมกันทั้งหมด) หรือแบบหลวม (loose อิสระกว่า มีระดับ ทิศทาง และพลวัตที่หลากหลาย)

แนวสายตา (sightlines) คือสิ่งที่ผู้ชมเห็นจริงบนเวที เป้าหมายคือให้ทุกที่นั่งมองเห็นได้ชัดและไม่มีอะไรบัง และการออกแบบเวทีเริ่มจากจุดนี้เสมอ ตรงข้ามกันคือ “dead angle seats” หรือจุดบอด คือที่นั่งที่มองไม่เห็นช่วงสำคัญ เพราะมุมห้อง สิ่งกีดขวาง ฉาก หรือโครงแขวนไฟและฉาก (rigging) ทันทีที่ผู้ชมส่วนหนึ่งมองไม่เห็นนักแสดงชัดเจน ความมีส่วนร่วมก็ลดลงทันที

สำหรับโรงละครแบบรอบทิศ 360° (เวทีกลาง) หรือแบบที่ผู้ชมนั่งหลายด้าน มีสองข้อที่ควรทำ คือทำฉากให้เรียบง่ายและน้อยที่สุดเพื่อไม่ให้บังการมองเห็น และใช้ระดับที่ต่างกัน ซึ่งเพิ่มความลึกและความน่าสนใจทางสายตาโดยยังมองเห็นได้ดี การวางตำแหน่งนักแสดงต้องทำให้มองเห็นได้จากทุกมุม ตำแหน่งที่ “ใช้ได้” เมื่อมองจากด้านหน้า อาจบังการแสดงจากผู้ชมหนึ่งในสามของโรง

หลักหลายข้อเหล่านี้ (บล็อกกิ้ง การเคลื่อนที่ แนวสายตา) มาจากการละครและการออกแบบฉากโดยรวม แล้วนำมาใช้กับละครเพลงด้วย ไม่ได้เป็นทฤษฎีเฉพาะของละครเพลง ด้านศัพท์ของเวที มีศัพท์เครื่องกลเวทีบางคำที่ควรรู้เมื่อจะจัดการเข้าฉากแบบอลังการ ราวแขวน (porteuse) คือท่อโลหะขนาดเส้นผ่านศูนย์กลางราว 5 ซม. ในพื้นที่แขวนฉากเหนือเวที (cintres) ใช้แขวนและยึดฉากและโคมไฟ การชักขึ้น (appuyer) หมายถึงชักฉากขึ้นไปในพื้นที่แขวนฉาก และช่องกลบนพื้นเวที (trappe d’apparition) ใช้ให้ตัวละครหรือฉากโผล่ขึ้นมา เพื่อเตรียมและจดงานทั้งหมดนี้ ทั้งตำแหน่ง แกน เก้าโซน และการแปรแถวของกลุ่ม เครื่องมืออย่าง Stancz ช่วยวางและดูการแปรแถวในมุมมอง 2D มุมมอง 3D และมุมมองผู้ชม ซึ่งช่วยตรวจแนวสายตาก่อนซ้อมบนเวทีจริง